Estas son algunas de las mejores películas de ciencia ficción.
10. La matriz
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The Matrix es el sueño de un adolescente. Hay acción, lucha, efectos especiales de vanguardia, robots asesinos, figuras de autoridad malvada, una teoría de pseudoconspiración dominante y, lo más maravilloso de todo, un marginado social ineludible que eventualmente se convierte en un kung fu Jesús volador. Lo que falta ¿Chicas con trajes de PVC ajustados? No: Matrix también los tiene.
Al seleccionar tantos ingredientes clave de películas de acción como pudieron (la mentalidad de nosotros contra las máquinas de The Terminator, el trabajo de cable de Crouching Tiger, Hidden Dragon y la estrella de Johnny Mnemonic), y disparar con dosis de inquietud pre-milenaria, los directores lograron revitalizar sin ayuda de todo un género. La vista de Arnold Schwarzenegger cargando descaradamente a través de ejércitos de matones ineficaces comenzó a parecer vergonzosamente cansado. Matrix marca el punto donde los fanáticos exigieron más: querían verse en la pantalla. Y es por eso que el casting de Keanu Reeves fue un golpe maestro. Puede que sea bonito, pero no es un ejército de un solo hombre. Además: Neo es totalmente un anagrama de “One”. Woah Stuart Heritage.
9. Terminator / Terminator 2: Día del juicio
Arnold Schwarzenegger en Terminator 2. Foto: Kobal
Un desembolso de $ 7 millones trajo retornos espectaculares de más de $ 70 millones para el primer gran thriller de acción de ciencia ficción de James Cameron, que generó una franquicia de tres secuelas, una carrera como director de poder e hizo al robótico y ex Teuton Arnold Schwarzenegger, un bombero de hierro, una superestrella poco probable de los 80 . Un thriller de viaje en el tiempo, cuyo mecanismo de circuito cerrado en el tiempo es un avance directo de La Jetée de Chris Marker, sus nociones más cerebrales: hombre contra máquina, materia gris contra computadora, pasado versus presente versus futuro, son reflexionadas inteligentemente junto a algunos de las secuencias de acción más viscerales y emocionantes jamás filmadas. Y el monstruo, imparable e implacablemente asesino, puede asumir la voz de los demás, y más tarde (en la secuela), incluso adoptar su apariencia carnal exterior, lo que le permite adoptar la forma de policías de LAPD, madrastras, perros domésticos, Y quién sabe qué más.
El seguimiento, realizado por miles de millones de dólares más, fue un éxito a una escala mucho mayor, que ofrecía un robot psicópata transformador basado en metal (Robert Patrick) y un cyborg Schwarzenegger más comprensivo, esta vez asignado para proteger, no destruir al futuro líder rebelde. John Connor (Edward Furlong). Uno de los aspectos más agradables de esta y otras características de Cameron es su afán de poner a una mujer dura, ingeniosa y sexy a la cabeza del elenco: ¡mira el tono muscular de Sarah Connor en Judgment Day! – y nunca permitas que nadie la rescate. Estado del arte en su día, todavía tienen un golpe de gracia. John Patterson
8. Encuentros cercanos del tercer tipo
Encuentros cercanos del tercer tipo, dirigidos por Steven Spielberg (1977). Fotografía: Kobal
Steven Spielberg revivió y revitalizó el género de invasión alienígena después de la avalancha de los 50 de las características de la criatura que portaba un arma de rayos. En su luminosa extravagancia de efectos especiales de 1977, vio el contacto extraterrestre como una puerta de entrada a nuevos conocimientos, nuevas experiencias y una conciencia superior.
Su héroe suburbano Roy Neary (Richard Dreyfuss) es a la vez un hombre común y un profeta, un hombre de familia que es perseguido por los sonidos, la llamada de ballena de cinco notas de la película, e imágenes de una formación rocosa en Wyoming, para horror de su esposa. y sus hijos Spielberg coquetea con las convenciones de suspenso, aunque en última instancia es un viaje acogedor, aligerado por un espíritu de celo evangélico con respecto a la obsesión de Neary, mientras que el encuentro en sí se desarrolla como una versión intelectual del rapto, en el que solo los verdaderos creyentes son tomados por el sílfide. como los visitantes
La película también está tan cerca como Spielberg llega a los comentarios sociales, y el final, ampliado para la “edición especial” de 1980, ve a Neary, después de una desagradable parrillada por parte del gobierno y el ejército, que le da la espalda a Estados Unidos donde Watergate y Vietnam Todavía eran recuerdos recientes y dolorosos Damon Wise
7. Star Wars
Mark Hamill como Luke Skywalker en la primera película de Star Wars. Fotografía: Lucasfilm / Allstar
La Guerra de las Galaxias original (no nos molestemos con este episodio IV: Una nueva esperanza sin sentido del subtítulo) pone sus cartas sobre la mesa con su disparo inicial: una gigantesca nave espacial de aspecto malvado que persigue una nave mucho más pequeña. Al igual que el resto de la película, puedes verla sin sonido y seguir completamente lo que estaba sucediendo. Es la pureza de la historia lo que ha hecho que esta película perdure, los temas clásicos transmitidos a través de los siglos. Puede estar vestido con robots, naves espaciales y compactadores de basura, pero es el viaje de los héroes de antaño: George Lucas ha dicho que modeló conscientemente su guión sobre el estudio de Joseph Campbell de la mitología comparativa El héroe de las mil caras.
En los cínicos años 70, la noción de hacer una película que mezclara a Kurosawa y Flash Gordon debe haber sonado tan ridícula como lo es hoy. La industria del cine no estaba lista para una hazaña técnica tan ambiciosa (con un presupuesto tan modesto) como Star Wars, por lo que Lucas la cambió al traer jóvenes no probados de películas experimentales e independientes, o de campos como el diseño industrial. Lucas tenía talento para mezclar influencias dispares y hacer que encajaran perfectamente. Fue pastor de actores incondicionales como Alec Guinness y Peter Cushing, cineastas experimentales como Adam Beckett (que supervisó los efectos) y el historiador del uniforme militar John Mollo; de lo contrario, sería inconcebible que todas estas personas hubieran trabajado en el mismo proyecto.
Mucho se ha dicho sobre la repetida dirección de Lucas a su elenco (“Más rápido e intenso”) o que el diálogo fue más fácil de escribir que decir. Guinness, Cushing y James Earl Jones le dan toda la seriedad que necesita, y los miembros más jóvenes se adaptan perfectamente a sus roles: la seriedad de Mark Hamill con los ojos abiertos, la dignidad de Carrie Fisher y, quizás lo mejor de todo, Harrison Ford se ve tan mortificado y avergonzado de estar ahí. Para el público, resultó en una película como nunca antes. Phelim O’Neill.
6. ET: El extraterrestre
ET el extraterrestre. Foto: Kobal
Después de los Encuentros Cercanos de 1977 (ver no 8), el director Steven Spielberg invirtió la fórmula del encuentro alienígena para preguntarse no qué haríamos de ellos sino qué harían de nosotros. El resultado fue este éxito de taquilla de 1982, que eclipsó incluso a la Guerra de las Galaxias original y recibió nueve nominaciones al Oscar (ganando cuatro), una hazaña inaudita para una película con un contenido de ciencia ficción tan evidente.
A pesar de sus trampas de género, ET equilibró su contenido de fantasía con una dosis de sentimiento agradable de la Academia, que se desarrolla en la vida hogareña de Elliott (Henry Thomas), un niño solitario de 10 años cuyos padres se están separando. Se dedica poco tiempo a revelar de dónde proviene el ET de la película, o cómo llegó a quedarse atrás. En cambio, Spielberg se centra en la historia poco probable de la película; hijo mediano de tres (Drew Barrymore es la dulce pero pegajosa hermana menor, Robert MacNaughton, el cínico hermano mayor adolescente), Elliott acepta al ET como el amigo y confidente que no tiene.
Filmado en gran parte desde una perspectiva de altura de cintura para adultos, la película prioriza este mundo de niños y los entrega a su ingenuidad inofensiva. Entonces, cuando las autoridades de mentalidad mezquina se enteran de la presencia de ET, los efectos son doblemente impactantes. Las hordas sin rostro de las milicias uniformadas, llenas de linterna, hacen una vista intimidante y brutal. Después de una primera mitad alegre, la película se sumerge en un drama más oscuro en la segunda, cuando ET es capturado y puesto en cuarentena. Pálida y medio muerta, la criatura saca extrañas actuaciones de su elenco infantil, y los paralelos religiosos en la posterior “resurrección” de ET nunca han pasado desapercibidos. Sin embargo, es probable que sean accidentales; Spielberg ha dicho que ve su película más como una “historia minoritaria” sobre dos extraños que unen sus fuerzas de forma aislada.
También hay más de una pizca de cuento de hadas sobre ET, especialmente en la secuencia final de persecución famosa de la película, en la que Elliott toma su bicicleta con ET en el manillar y se eleva, como Peter Pan, hacia el cielo. Al igual que en Close Encounters, hay un escepticismo saludable sobre la autoridad en exhibición, pero ET: The Extra Terrestrial es una película menos mundana. Como gran parte del trabajo de Spielberg, estuvo muy influenciado por el divorcio de sus padres y se basó en un amigo imaginario que creó a la misma edad que Elliott. “Un amigo”, dijo, “que podría ser el hermano que nunca tuve, y un padre que ya no sentía que tenía”. DW
5. Polaris
Fotografía de Solaris: Ronald Grant Archive
Andrei Tarkovsky comenzó a trabajar en una adaptación de la novela filosófica de ciencia ficción de Stanisław Lem en 1968 en un intento de encontrar un tema cinematográfico popular. Después de las habituales negociaciones laberínticas con las autoridades soviéticas sobre el guión, lo que surgió fue una película espacial diferente a todo lo anterior o posterior. La novela de Lem postulaba la existencia de la solarística; El estudio de un sistema estelar periférico que tuvo efectos extraños en la psicología humana. Tarkovsky tomó esta idea y la convirtió en un interrogatorio onírico de fe, memoria y el poder transfigurador del amor.
Tarkovsky comienza su versión de la historia con algunas de las imágenes más mágicamente terrestres jamás filmadas, mientras su protagonista, un psicólogo llamado Kelvin (Donatas Banionis), contempla su jardín. Luego se embarca en un viaje a la estación espacial que rodea a Solaris, allí para investigar los informes de comportamiento excéntrico de visitantes anteriores. Kelvin sufre una terrible experiencia de memoria, ya que las propiedades psicoactivas de Solaris desencadenan la reaparición de su esposa muerta, Hari (Natalya Bondarchuk). La estación espacial se convierte en un lugar de misteriosas apariciones y apariciones. Sus colegas apenas inspiran confianza, y Kelvin intenta dar sentido a lo que le está sucediendo a medida que se retira a un mundo interno.
Tarkovsky apenas estaba interesado en la principal preocupación de Lem: teorizar sobre lo que podría constituir una vida extraterrestre. Solaris, y sus “océanos” aparentemente animados, son simplemente un conducto y una externalización de asuntos espirituales más profundos. Es justo decir que ningún otro director puede haberse acercado a la elevación mística de esta película, y eso incluye el remake de Steven Soderbergh con George Clooney. A Lem no le gustó la forma en que su novela había sido adaptada; Tarkovsky mismo lo consideró una película poco exitosa. Pero la claridad y belleza de Solaris asegura que su majestad siga viva. Andrew Pulver.
4. Alien
Sigourney Weaver en fotografía extraterrestre: Allstar
Alien es una tormenta perfecta de talentos: el guión magro de Dan O’Bannon y Ronald Shusett; La cambiante cinematografía de Derek Vanlint; La puntuación inquietante de Jerry Goldsmith; Los efectos en miniatura de Brian Johnson y un elenco que incluye a Sigourney Weaver, Harry Dean Stanton, Ian Holm y John Hurt.
El trabajo más notable y revolucionario en esta película fue, por supuesto, en el lado del diseño. O’Bannon había trabajado previamente en la desafortunada adaptación de Dune de Alejandro Jodorowsky (un proyecto que también cayó en manos de Ridley Scott). Para eso había reunido una increíble variedad de artistas, a los que se reagrupó para Alien, con talentos como Moebius de la revista Métal Hurlant, Ron Cobb de Star Wars y el artista suizo HR Giger. Años antes, Giger tuvo una vívida pesadilla en la que un baño y las cañerías circundantes se tornaron inquietantes y palpitantes, y así nació su estilo “biomecánico”. Sus creaciones eran extrañas, las máquinas orgánicas y sus diseños para Alien, como la enorme nave espacial abandonada que investigan los astronautas, parecen tanto crecidos como construidos.
Alien utiliza un marco de historia similar a la película de monstruos cheapo de los años 50 It! The Terror from Beyond Space, pero le agrega tanto que se convierte en una película mucho más profunda. Aquí hay muchos subtextos en juego, como tener el papel principal desempeñado por una mujer (el guión solo usa apellidos de una manera no específica de género) o el Kane masculino que “da a luz” a la criatura en el aún poderoso escena del “cofre de pecho”. Sin importar cómo lo abordes, esta es una película maravillosamente inmersiva y aterradora. Fue tan impactante para el sistema cuando se lanzó (y un gran éxito) que aún se puede ver su influencia en innumerables películas de ciencia ficción y terror décadas después. PON
3. Blade Runner
Sean Young como el replicante que piensa que es humana en Blade Runner. Fotografía: Allstar / Cinetext / WARNER BROS
La mayoría de los directores que han terminado una película de ciencia ficción tienden a elegir algo un poco más realista para su próximo proyecto. Ridley Scott, saliendo de Alien, se lanzó a algo aún más estilizado y visualmente denso.
Basado en la novela de Philip K Dick, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? y tomando prestado el título de William S Burroughs, Blade Runner sigue a un detective llamado Rick Deckard (Harrison Ford) mientras caza a un grupo de replicantes. Estos humanos sintéticos, casi imposibles de distinguir de la realidad, han escapado de una de las colonias “fuera del mundo” y han regresado a la Tierra. La misión de Deckard es “retirarlos”, pero la razón detrás del regreso de los replicantes es interesantemente emotiva: desean llevar sus propias vidas, como es el derecho de cualquier ser sensible.
Blade Runner, notoriamente, fue completamente mal entendido cuando fue lanzado. Ford era un hombre de acción y se podía perdonar al público por pensar que esto sería una especie de Indiana Jones y el Flying Police Car. No fue ayudado por la voz torpe y la coda en las que insistió el estudio.
Ahora, sin embargo, no se puede negar su estado clásico. Hay varias versiones disponibles, cada una de las cuales muestra que incluso con algunas diferencias menores, esta película se puede leer de diferentes maneras. (¿Es Deckard un replicante? Incluso Scott y Ford no pueden estar de acuerdo). El diseñador Syd Mead también tiró de su peso. Mead era un futurista visual, un diseñador de conceptos avanzados para compañías como Chrysler y Philips. Sin embargo, es el discurso final de Rutger Hauer, como el líder replicante moribundo Roy Batty, lo que la gente recuerda más. Es un final emocional, que agrega un desamor inesperado a una película que puede parecer casi desconcertante a primera vista. PON
2. Metrópolis
Una película de Metrópolis. Este diseño icónico ha inspirado a Riccardo Tisci de Givenchy y Donatella de Versace este año.
Aunque siguieron muchas películas de ciencia ficción, ninguna ha tenido el atractivo duradero y aparentemente autorregenerativo del clásico mudo de Fritz Lang, tal vez porque, después de su estreno en Berlín en 1927, es discutible que nunca se haya establecido una versión autorizada. Originalmente, a las dos horas y 33 minutos, Metropolis se ha convertido en una fiesta móvil, con nuevas escenas y partituras: Giorgio Moroder emitió una versión burlona de sintetizador teñida de color en 1984, que ha mantenido la corriente épica de Lang.
Para su época, la película fue un hito, miniaturas innovadoras y trucos de cámara para crear su ciudad del futuro, tomó dos años para filmar y llevar a la bancarrota a sus productores (en dinero moderno, el presupuesto era de aproximadamente $ 200 millones). Pero la verdadera clave de su longevidad es su contenido temático: más una advertencia que un romance, trata temas de modernidad que nunca han desaparecido. El conflicto de clases es su hilo conductor: cuando Freder (Gustav Fröhlich), el hijo ocioso de un hombre de negocios rico, descubre las condiciones primitivas en las que viven los trabajadores de la ciudad, las escenas de un proletariado deshumanizado, un elenco de más de 30,000 extras, todavía tienen poder hoy. La fetichización de la maquinaria por parte de Lang pone en primer plano el costo de la industrialización pesada. Pero lo que muchos recuerdan más es una secuencia extraordinaria en la que la mujer que saca las escamas de los ojos de Freder – Maria (Brigitte Helm), una agitadora de derechos de los trabajadores de buen corazón – es secuestrada y reemplazada por un robot siniestro que incita a la violencia. el malvado científico Rotwang, a las órdenes del padre de Freder. Esta belleza hidráulica, con senos en voladizo, se transforma en una Maria sin parpadear en un momento de pura magia.
Muchas de las tramas originales de Lang y la escritora Thea von Harbou se han perdido. Pero incluso en su forma más corta (90 minutos), Metropolis sigue siendo una historia eterna. Aunque se hizo para adaptarse a un género que muestra las posibilidades del futuro, la película de Lang nunca pierde de vista sus derechos y errores. DW
1. 2001: Una odisea del espacio
2001: Una odisea espacial Fotografía: Archivo Ronald Grant
Cuando 2001: A Space Odyssey se lanzó por primera vez, pocos habrían predicho que todavía se celebraría casi medio siglo después. De hecho, pocos lo habrían inclinado incluso por la gloria de corta duración. En su estreno, su estreno, hubo 241 huelgas, incluido Rock Hudson, que preguntó: “¿Alguien me dirá de qué demonios se trata?”
Incluso sus campeones estaban perplejos. “En algún lugar entre hipnótico e inmensamente aburrido”, pensó el New York Times; “La fotografía excelente es un activo importante para una trama confusa y de largo desarrollo”, estimó Newsday. Pero el desconcierto era la intención, explicaron sus creadores. Arthur C Clarke, cuya historia de 1948 The Sentinel fue el punto de partida de Stanley Kubrick (la novelización de Clarke fue posterior a la película): “Si entiendes 2001 por completo, fracasamos. Queríamos plantear muchas más preguntas de las que respondimos”.
¿Una evasión? Lejos de eso: 2001 es magistral. Su impecable mentalidad seria no es nada de lo que burlarse; lo que algunos vieron como pesado ahora parece simplemente profético. Fue la última película filmada en un viaje espacial antes de que los hombres realmente aterrizaran en la luna, y la primera en convertir un género que había sido la reserva del queso de la película B en la más alta forma de arte.
No se ve tan fresco como el día en que se hizo, sino tan fresco como el día en que lo viste por primera vez: si dejo de lado los disfraces de mono, es una de las pocas películas de los 60 que resiste el escrutinio técnico contemporáneo. En ese momento, debe haber marcado un salto cuántico hacia adelante: de repente, el espacio parecía creíble. Mirar incluso ahora es estar asombrado: todos esos detalles exactos (las instrucciones de 700 palabras para usar un inodoro de gravedad cero), el ritmo, a la vez arrullador y urgente, el audio, los valses de Strauss que se elevaron empalmados con aire muerto. En el espacio, por supuesto, nadie puede oírte hablar.
Y así, a la difícil cuestión de qué se trata la tierra. En un nivel básico, se trata de tres artefactos: uno dejado en la Tierra al amanecer del hombre por exploradores espaciales dispuestos a dirigir la evolución de los simios, otro enterrado en las profundidades de la superficie lunar, y programado para señalar la palabra del primer viaje del hombre. en el universo (en palabras de Kubrick, “una especie de alarma antirrobo cósmica”) y el tercero en órbita alrededor de Júpiter, otra alarma, esta vez para cuando el hombre sale de su propio sistema solar.
Y eso es lo que sucede en la película, cuando un equipo de cinco hombres (tres en hibernación) huyen para investigar al segundo. Pero la misión sale mal, posiblemente la culpa de la computadora de comando hablador, Hal, y el único astronauta sobreviviente es arrastrado a un campo de fuerza que lo arroja en un viaje a través de la galaxia. De allí es a un zoológico humano, construido a partir de su propio subconsciente, donde envejece rápido, muere, renace y se mejora – “un niño estrella, un ángel, un superhombre” (dijo Kubrick) – antes de regresar a la Tierra para avanzar en la evolución.
2001 es una película cuya ambición solo se corresponde con su logro en lograrlo. Fue la primera exploración metafísica del mundo, y quizás la única, del funcionamiento de la humanidad, desde el comienzo de los tiempos hasta el futuro lejano, y no es de extrañar que la ciencia ficción nunca se haya recuperado realmente. Realmente solo ha estado retrocediendo, confiando ya sea en efectos llamativos o en enigmas psicológicos manejados tan trivialmente que apenas parecen estar relacionados con 2001 en absoluto.
Algunos se quejan de que es frío, inhumano. Quizás. Pero la canción moribunda de Hal, que hace sonar a Daisy Bell (A Bicycle Made for Two) cuando se le quita el tapón, debe ser una de las escenas más inquietantes del cine, mecánico o no.
Sin mencionar, por supuesto, que 2001 ofrece el caso más abierto para que el cine sea principalmente un medio visual: desde las órbitas giratorias y danzantes hasta el viaje ácido (ic) extendido al final, es, simplemente, un golpe de gracia. Y presenta a Leonard Rossiter como astronauta ruso. La pregunta en 1968 habría sido: ¿cómo podría ser esto el número 1? La pregunta de hoy es: ¿cómo podría no serlo?
FAVORITOS PERSONALES:
Interestelar (2014)
Marciano (2015)
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Hay una verdadera sensación de asombro con esta película para mí. Quizás se deba a verlo como un niño. Al igual que los Encuentros cercanos del tercer tipo de Spielberg mencionados anteriormente, esta es una película que tiene una profundidad adicional. Corazón. Habla de la maravilla de la amistad, algo que no muestra límites, ya sea terrenal o más allá. Habla de un niño que falta algo en su vida, solo para encontrarse con ese algo en las circunstancias más increíbles. 
Schwarzenegger lidera una manada de comandos en una misión en una jungla centroamericana. No toma mucho tiempo darse cuenta de que están siendo cazados por un alienígena feroz y feo. 
Este es un monstruo de una película. Nunca antes se había hecho algo así. Su concepto era nuevo y muy adelantado a su tiempo. Bien por ti, Cameron … bien por ti. 
Un silencioso favorito mío. Inteligente y emocionalmente atractivo, es otro de los primeros de su tipo: se ocupa de los efectos de la ingeniería genética en el comportamiento humano en un futuro algo ambiguo. 
La visión futurista de Spielberg que abarca un guión inteligente y emocionante es la fórmula perfecta para lo que podría decirse que es una de las películas de ciencia ficción más memorables de la historia. Sí, dije alguna vez . 
Esta película es increíble. Es una locura pensar cuán masivo fue Harrison Ford durante este tiempo. Cuando se lanzó esto, Ford apenas se había enfriado de su papel en Raiders of the Lost Ark (1981) , mientras que el resto del mundo esperaba su regreso como Han Solo en Return of the Jedi (1983) . 
Sinceramente, no podía creer lo increíble que era esta película mientras salía del teatro. El espectacular viaje de ciencia ficción de Nolan es inteligente y delirante en su complejidad. Me asustó mucho. 
El clásico de terror de ciencia ficción de Ridley Scott en el espacio exuda tanta tensión desde el principio, durante su combustión lenta, que para cuando la mierda golpee al ventilador, desearás nunca haber comenzado la maldita cosa. Fue realmente aterrador para su tiempo … todavía lo es, en realidad. 
Totalmente fascinante. Atemporal, intuitivo y emocionante, al tiempo que relaja con calma los sentidos. Todavía me hace sentir como un niño cuando veo este. Me estoy poniendo un poco brumoso solo de pensarlo. Gracias Spielberg. En serio, gracias. 
Casi perfecto. Desde su secuencia de apertura de Trinity flotando en el aire en una pose que nunca habíamos visto antes, hasta su wondertrip con batería porque Neo eligió la píldora roja, este trabajo mental de ciencia ficción nunca se duplicará. 
Incluso hoy, de alguna manera, esta película sigue siendo visualmente inigualable. Solo Kubrick podría haber creado una sinfonía tan alucinante para los sentidos. Realmente es una filmación extraordinaria, y es difícil para mí poner por delante cualquier otra oferta de ciencia ficción. 
Bueno, dicen, justo cuando inundan la casa y la rompen en pedazos que, como, “la destrucción es una forma de creación”, por lo que el hecho de quemar el dinero es irónico. Solo quieren ver qué sucede cuando destrozan el mundo. Quieren cambiar las cosas. 
Todos los seres vivos siguen un camino establecido y si pudieras ver tu camino o canal, entonces podrías ver el futuro, ¿verdad? Como si fuera una forma de viaje en el tiempo. 
¿Qué pasaría si pudieras retroceder en el tiempo y tomar todas esas horas de dolor y oscuridad y reemplazarlas con algo mejor? 
Donnie: ¿Por qué llevas ese estúpido traje de conejito? 
Donnie: Frank, ¿cuándo va a parar esto? 
Donnie: Querida Roberta Sparrow, he llegado al final de tu libro y … hay tantas cosas que necesito preguntarte. A veces tengo miedo de lo que me puedas decir. A veces me temo que me dirás que esto no es una obra de ficción. Solo puedo esperar que las respuestas me lleguen dormidas. Espero que cuando el mundo llegue a su fin, pueda dar un suspiro de alivio, porque habrá mucho que esperar. 
Donnie: Te prometo que algún día todo te irá mejor. 
Frank : no te preocupes. Te saliste con la tuya.