No sé mucho sobre cómics italianos, así que me centraré en las diferencias estadounidenses / francesas / japonesas
En mi opinión, las diferencias son dobles. En primer lugar, cada “escuela” está fuertemente influenciada por las particularidades culturales de su región de origen, y esto se puede ver en los principales temas abordados, el dibujo, el color (o la ausencia de color) … Pero en mi opinión esto no es fueron la principal diferencia las mentiras. Las tres “escuelas” tienen formas muy diferentes de considerar la relación entre los artistas y los personajes, en parte debido a cómo se publican los cómics, y esto lleva a percepciones muy diferentes de la forma de arte, y es principalmente sobre esto aspecto en el que me enfocaré.
Cómics americanos
Las fuerzas dominantes en el sistema de cómics estadounidense son las compañías de cómics. Son las entidades que tienen los derechos sobre los personajes y las historias. Por lo tanto, un personaje no está particularmente relacionado con un autor. Obviamente, cada personaje tiene un creador, pero los personajes a menudo pueden pasar por las manos de muchos autores, cada uno con un giro único, su visión única. Los artistas tienen diferentes estilos, que destacan los diferentes aspectos del personaje. Esto también permite a las compañías acumular historias con el tiempo. Algunos personajes han estado aquí por décadas. Esto encaja muy bien para un sistema comercial que funciona en torno a los lanzamientos programados de forma semanal o mensual, cada edición promueve la historia y cada edición se vende de forma independiente.
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Como puedes ver, un mismo personaje puede evolucionar mucho
Por supuesto, esto no es cierto para todos los cómics estadounidenses, pero creo que esto realmente describe por qué la industria de los cómics estadounidenses es tan única. La cosa en el centro es el personaje, y todo girará en torno a él, incluidos los equipos creativos.
Como ejemplo para probar mi punto, tomaré uno de los cómics más innovadores y exitosos del siglo XXI: Fábulas
Fábulas # 1 cubierta
Esta serie de cómics comenzó en 2002, publicada mensualmente por la imprenta Vertigo de DC Comics. La serie principal duró 150 números, todos con el mismo escritor (Bill Willighan), lo que parece contradecir mi punto. Pero al menos siete dibujantes han trabajado sucesivamente en la serie, Vertigo tenía un escritor de respaldo listo en caso de que Willighan ya no entregara, y once series derivadas se han lanzado a menudo con diferentes escritores y autores. Y aún así, esto se considera una serie en la que los creadores originales han mantenido un enorme control sobre el material publicado.
Un fenómeno que realmente funciona de manera diferente es la tira cómica, pero es otro problema por completo, y creo que no es lo que estabas pensando con esa pregunta.
Comics japoneses ( más comúnmente conocidos como Manga )
Si el punto central en los cómics estadounidenses son los personajes, en Manga probablemente sea la serie. Cada mangaka (autor) tiene su serie actual en funcionamiento y trabaja en ella con su equipo, y nadie se atreverá a sugerir que alguien más que él trabaje en ella. La duración de una serie depende del deseo del mangaka, y si deja de escribir, nadie tomará el manto.
La ruta editorial más común es a través de revistas especializadas. Cada número de revista dedica entre veinte y cuarenta páginas a cada serie en curso. Cada revista está dirigida específicamente a lectores de género por edad.
Una portada de Weekly Shonen Jump, probablemente la revista de manga más famosa para adolescentes. Destacados, om la portada son los personajes principales de la serie dentro del número.
Después de una cantidad de tiempo suficiente, los “capítulos” se agrupan en volúmenes dedicados, a menudo en tapa blanda.
El sistema tiene un problema, pone mucho estrés en los autores, ya que a menudo tienen que producir alrededor de 30 páginas de contenido semanalmente (lo cual es absolutamente una locura). Los mangaka que no pueden hacer frente a este ritmo infernal hacen pausas (pero esto frustra a los fanáticos y también significa que no ingresará más dinero, por lo que pueden hacer esto solo si tienen el éxito suficiente) o hacer algo de “relleno”, lo que significa crear apresuradamente arcos de historias que son fáciles de dibujar para ganar tiempo.
Ilustraré con una serie que me gusta mucho: Hunter X Hunter.
Es una serie escrita por Yoshihiro Togashi y publicada en Weekly Shonen Jump desde 1998. Actualmente tiene un poco más de 350 capítulos.
La serie es absolutamente increíble, y ha recibido muchos elogios tanto por su historia como por sus personajes, pero también por su capacidad de usar los códigos shonen (manga para niños / adolescentes) y usarlos para producir algo muy cercano a un seinen (acción para adultos jóvenes). , a menudo más complejo oscuro y violento)
Por otro lado, Togashi a menudo no ha podido cumplir con los plazos semanales, ya que tiene que disculparse con frecuencia con los lectores por obras de arte deficientes y promete volver a trabajar en ellos antes de que se publiquen las tapas blandas. También se fue en varias ocasiones a partir de 2006, y cada vez que se detiene, nadie sabe si volverá alguna vez.
Sin embargo, cuando tiene tiempo, dibuja bastante bien
El manga tiene muchos vínculos con otros medios, especialmente la animación, pero también novelas y videojuegos.
Cómics franco-belgas (La Bande Dessinee o simplemente La BD)
Entonces, los cómics estadounidenses tienen el personaje como pieza central, Manga tiene la serie. Como muchas cosas en el arte francés, la BD tiene el concepto del autor en su núcleo.
La idea principal detrás de BD francés, es que un personaje y sus historias pertenecen a sus creadores, que la mayoría de las veces es una pareja de escritor e ilustrador. Incluso cuando la ruta de publicación ha cambiado de una revista a una editorial (muy similar a la que existe para otros tipos de libros), esto no ha cambiado. Por el contrario, los creadores son aún más dueños de lo que hacen. Por supuesto, no puede hacer lo que quiera porque necesitará aprobación para ser publicado, pero las decisiones realmente recaen en los autores. Esto ha llevado a un mercado que se parece mucho al de los libros. Hay una larga saga en múltiples tomos, ensayos políticos, series satíricas, investigaciones periodísticas, autobiografías, ensayos de autoexploración intelectual y best sellers llenos de acción.
El formato ordinario es de 44 páginas de grandes paneles coloreados unidos en tapa dura, pero también hay mucha libertad.
Página típica de la serie de acción Thorgal
Como ejemplo, miraré a la exitosa Joann Sfar, porque realmente muestra la diversidad de lo que está disponible. Comenzó su carrera en los años noventa y ha trabajado en proyectos muy diferentes que van desde la ciencia ficción infantil de Sardine de l’Espace
al muy adulto Le Chat du Rabbin (el gato del rabino), una bella fábula sobre religión a través de su herencia judía
pero también hizo cómics sobre arte ( Chagall en Rusia) , parodias de fantasía heroica (Donjon), las angustiosas aventuras de un vampiro, y su adaptación para niños, y álbumes de bolsillo de lo que es más o menos un diario ( Les carnets de J.Sfar)
Influencias cruzadas
Los tres sistemas siempre se han influenciado entre sí, pero se ha vuelto aún más cierto desde mediados de los noventa.
En Francia, los artistas estadounidenses que han reivindicado su condición de autores reales a menudo han sido aplaudidos. También es el primer mercado de manga después de Japón y un creciente mercado de cómics. Los estilos artísticos japoneses tienen una influencia muy fuerte en muchos artistas franceses, y una escuela de manga francesa está creciendo rápidamente. La escena franco-belga también ha aprendido mucho de las técnicas americanas para colorear. Las series exitosas que obtienen nuevos autores (el primero elige el siguiente) y comienzan spin-offs también es un fenómeno que está comenzando a crecer para series muy populares (XIII, Thorgal, Lanfeust …)
Algunos artistas japoneses muy exitosos han profesado abiertamente algo de su inspiración proveniente de técnicas europeas (por ejemplo, Miyazaki dijo que admiraba la idea de Ligne Claire que es muy importante en BD). La influencia de los EE. UU. En Japón después de la Segunda Guerra Mundial también ha tenido un gran papel en cómo se desarrolló el Manga.
Muchos artistas de cómics estadounidenses también han buscado inspiración en el extranjero. Por ejemplo, muchos ilustradores citan a menudo al francés Moebius como una influencia muy importante.
Un ejemplo de la obra de arte de Moebius
TL; DR:
– Los cómics estadounidenses pertenecen a empresas. Los artistas se siguen unos a otros con los mismos personajes. Esto crea argumentos muy fuertes, y diferentes facetas de los personajes se resaltan cuando los artistas cambian. Esto permite muchas tomas interesantes pero también limita la creatividad de los artistas.
– Manga trabaja en un modelo basado en series. Los artistas tienen una fuerte inversión en la serie en la que están trabajando y tienen un control casi total sobre ella. Esto permite trabajos que a menudo están muy bien construidos, pero por otro lado, la industria gana dinero gracias a tasas de trabajo absolutamente locas que a menudo crean una pérdida de calidad
– Franco-belga Bande Dessinee se centra en el autor. Básicamente funciona como el negocio de publicación de libros. Esto lleva a artistas con mucho control sobre su contenido y una calidad global muy alta, pero a menudo también impone una productividad muy baja y precios más altos.