Cómo hacer que un actor se mueva naturalmente en una película

Answer 1

No estoy seguro si soy capaz de responder una pregunta tan prestigiosa como esta. Pero estoy bastante seguro de que intentaré, como siempre, cuando me pregunten, trate de responder. Pero primero déjame pintarte una imagen de ese pequeño conocimiento que tengo en esta categoría de negocios e industria cinematográfica .

(Iré con los tecnicismos más extraños que este mundo del cine ha logrado fabricar o producir hasta ahora …)

Nota : Me he centrado en cómo Robert De Niro y Martin Scorsese trabajan juntos en varias ocasiones.

Hablemos de eventos recientes,

El renacido | “Actores” Featurette [HD] | 20th Century Fox

The Revenant fue una de las mejores películas que he visto y para mí fue la película más notable lanzada el año pasado. De las historias de su estrella y ¡SÍ! ¡Finalmente un ganador del Premio de la Academia ! Leonardo DiCaprio está a punto de morir … DOS VECES al rodaje completo de la película con solo luz natural es un logro cinematográfico que todos los cineastas deberían estudiar. Muchas veces la gente pensó que esta película no terminaría ni mataría a alguien. El Revenant ha sido comparado con la obra maestra de Francis Ford Coppola, Apocalypse Now debido a su producción extremadamente dura y loca. Inspirado en hechos reales, The Revenant es una experiencia cinematográfica inmersiva y visceral que captura la épica aventura de supervivencia de un hombre y el extraordinario poder del espíritu humano. El | Ver relacionado: Cómo el rodaje de ‘The Revenant’ de Leonardo DiCaprio se convirtió en “Un infierno viviente” a través de The Hollywood Reporter

En la gran mayoría de las películas que llegan a la pantalla grande en estos días, son los nombres de los actores los que atraen a audiencias curiosas por encima de las del director. En muchos casos, al menos en el perfil público de una película, el director trabaja detrás de escena, apenas participa en el circuito de promoción, y en los casos más desalentadores, incluso puede ganar la etiqueta de “Hollywood Hack” .

Indiscutiblemente uno de los directores más creativos, idiosincráticos y visionarios de nuestro tiempo, Stanley Kubrick cae fácilmente en esta categorización de autor. Sus películas, que frecuentemente mezclan mensajes políticos incisivos con relaciones perturbadoras de personajes e imágenes icónicas de terror, son a la vez ingeniosas y crudas.

El ‘ Director ‘ es probablemente el ‘ Alma ‘ de cualquier película en particular. Pero aparte de eso,

El director tiene dos responsabilidades básicas:

1. para lograr una visión unificada dentro de la producción terminada, y
2. para guiar a otros hacia su última actualización.

Para cumplir con estos cargos, el director debe organizar la realización de su visión. El director debe decidir sobre la interpretación que se le dará a la obra; trabajar con el dramaturgo (si es posible), diseñadores y técnicos en la planificación de la producción; emitir y ensayar los actores; y coordinar todos los elementos en la producción terminada.

Además, antes de elaborar, mis palabras, igual que siempre, comparto algunas sugerencias sobre lo que creo que probablemente estás buscando al dar los enlaces de los mejores (al menos para mí) de la web. Vea abajo:

• Hay un artículo ‘bonito’ en la web de wikiHow sobre Cómo dirigir a los actores (incluidas las fotos) que debes / debes consultar.
• Mire: En este clip de un reciente seminario maestro de AFI Harold Lloyd, el director David Cronenberg comparte su enfoque para trabajar con actores. Ver: Director David Cronenberg sobre Trabajar con actores
• Cómo dirigir a un actor para una película: ¡7 consejos sobre qué hacer para hacerlo bien! El | Para evitar que el actor parezca que él o ella está actuando. El | Red Global del Festival de Cine de Despegue
• ¿Deberíamos estudiar ‘dirigir actores’ o es suficiente talento?  
• 21 actores en directores y directores | Información esencial para cualquier persona que quiera saber cómo dirigir a los actores ¿Qué quiere de un director?

Lo más importante en la dirección de actores es: comprender el lenguaje de los actores

Es ‘seguro’ trabajar con amigos como actores. Puede ordenarlos y “salirse con la suya” porque posiblemente sepan menos sobre la actuación que usted sobre la dirección. Puede ser muy intimidante trabajar con “actores reales” porque comienzan a hacer preguntas difíciles utilizando su propia jerga. ¿Cuál es la columna vertebral de mi personaje? A través de la línea? Súper objetivo? Intención de la escena? Puede sonar como un idioma extranjero si no comprende estos términos. Aunque el cliché, “cuál es mi motivación” suena como el actor BS, no lo es. Los actores capacitados necesitan desesperadamente esta información para crear un desempeño competente. Si no puede proporcionarles esta información en un idioma que entiendan, pueden comenzar a desconectarse. Es posible que aún intenten escucharte, pero inventarán sus propias respuestas y comenzarán a dirigirse “sin protección”. Cómo mejorar como director: aprender a hablar con los actores

Cuando miramos a las personas, miramos sus ojos. Tan pronto como los bebés pueden concentrarse, miran a los ojos de las personas. Incluso perros y gatos, se dice que incluso las ratas, miran los ojos de las personas para leer sus intenciones. Tan pronto como aparezca en la pantalla, aquí es donde la audiencia estará mirando. Poner su actuación a disposición del público significa asegurarse de que tengan acceso a sus ojos. Y esto significa mantener su mirada principalmente en el área alrededor de la cámara.

“Actuar es comportarse sinceramente en circunstancias imaginarias”.

Sin embargo, probablemente también sea consciente de que nunca debe mirar directamente a la cámara a menos que el director se lo indique explícitamente. La razón de esto es simple: rompe la cuarta pared. Una de las ilusiones de la pantalla es que nosotros, el público, podemos ver a un personaje desde muy cerca sin que sepan que estamos allí. Tan pronto como el personaje mira por la lente, parece que nos está mirando directamente y, por lo tanto, la ilusión se rompe.

Entonces, esto nos da un área en forma de anillo alrededor de la cámara que respeta el tabú de no mirar directamente a la audiencia, pero en el que los ojos, las ventanas al alma, permanecen accesibles. Bill Britten, (Drama de Bloomsbury Methuen) llama a esta área ‘la rosquilla ‘ y trabajar dentro de ella es la clave para una poderosa actuación en pantalla. Ver abajo ‘ Figura 31 ‘.

Bloqueo y movimiento

El bloqueo es un área que los actores pasan por alto. Muchos principiantes creen que esta responsabilidad recae exclusivamente en el director. Pero es el actor el que mejor conoce a su personaje y un buen director busca esta información durante las primeras lecturas y ensayos. Por lo tanto, es esencial aprender los elementos básicos del bloqueo, incluso cuando se asigna un director. Para que estos esfuerzos de colaboración sean productivos, debe haber una comprensión común de la terminología de bloqueo y sus principios.

Por ejemplo, un movimiento fuerte de una figura es uno que se levanta de una silla, se endereza, coloca el peso sobre el pie delantero, levanta el brazo o camina hacia adelante. Un movimiento débil, por otro lado, es retroceder, encorvarse, colocar el peso sobre el pie trasero, sentarse, bajar el brazo, caminar hacia atrás o darse la vuelta y alejarse de una figura u objeto. El | Ver: bloqueo y movimiento

A menudo escucho a los directores decir cosas como ” fue bueno en la audición, pero no sé qué pasó ” . ¿Cómo le dices a un amigo que su actor fue una mierda? La mitad del tiempo te sientas allí pensando, “bueno, ¿lo dirigiste?” ¿Cómo se consigue que una mujer que fue tan buena en la audición se relaje y sea quien era antes? La triste noticia es que si “no sabes lo que pasó”

Te puedo decir: no eras un director lo suficientemente bueno ese día .

Estos son los malos tiempos. La noticia ligeramente mejor es que nos sucede a todos en algún momento. Y espero que aprendas de ello.

Una cosa que no funciona es sentarse allí rodando toma tras toma y dejar que el mal se desarrolle ante tus ojos.

Tómese un descanso, camine con el actor, hable en privado, limpie el set .

Haz lo que tengas que hacer para cambiar la energía de la escena y en el set. Algo está desequilibrado. Excava hasta encontrar esa cosa, luego regresa y tira nuevas tomas.

A menudo escucho a los directores quejarse de un mal actor. Esto es ridículo. No hay absolutamente ninguna excusa para quejarse de por qué un actor chupó tu película. Si usted es el director, toda responsabilidad se detiene con usted. Probablemente, gran parte de su problema podría haberse resuelto en el casting: obtenga una mejor persona allí. De lo contrario, ensaye (¡cha-ching!) Hasta que esté seguro de que puede obtener el rendimiento que necesita. De lo contrario, ¿cuál es el punto?

La mejor situación es reírse de lo malo que es un actor después de que obtuviste una actuación decente de ellos. O, mejor aún, cuán malo es alguien que no lanzaste en absoluto. Hablar mal de tus actores no te llevará a ninguna parte.

Relacionado : 13 pasos para dirigir a actores famosos en una película de micro presupuesto | Revista cineasta

Cuando sabes con quién / a qué te enfrentas, por ejemplo, es muy bueno, muy profesional, sabe lo que está haciendo y también es tu amigo. El | Imagen de abajo: Robert De Niro y Martin Scorsese .

Buenos actores

“ Es tan bueno que ni siquiera tuve que dirigirlo “ .

He escuchado a los directores decir esto también y está igualmente mal. En este caso inverso: depender demasiado de un buen actor puede llevar a un rendimiento de listado y serpenteante.

Por ejemplo, Jeff Bridges ganó un Premio de la Academia, pero no viste el mismo nivel de actuación en TRON: Legacy . Voy a arriesgarme y sugerir que las actuaciones desiguales de Bridges y otros están directamente relacionadas con el director primerizo que dirigió la película. Tron era visualmente brillante, sin duda, pero ¿la diferencia entre Flynn de Bridges y decir Morpheus in the Matrix? Noche y dia.

Los actores, sin importar su talento, confían en la comunicación y la visión del director para informar lo que aportan a una película .

Esto no es para disminuir la importancia de lo que un gran actor puede aportar. Una gran actuación puede elevar una película promedio a alturas extraordinarias. Por el contrario, la mala dirección puede obstaculizar incluso a los mejores actores en actuaciones mediocres.

Trae tu juego ” A” , y los mejores actores responderán con el suyo.

Mal actor / Buen actor / Misma escena

Surgirán grandes dificultades cuando el nivel de talento de dos artistas no coincida. Esto es particularmente un problema cuando la persona más talentosa está en el papel menos destacado. Los egos pueden involucrarse, y un actor puede querer dominar al otro en la escena. Aquí es cuando cavas profundo. Nada es peor que cuando la persona más talentosa pone los ojos en blanco porque piensan que cada dirección que le das es para el otro chico, especialmente cuando piensan que pueden comenzar a dirigirse a sí mismas. No dejes que esto suceda.

Puede que tenga que robar una página del manual de la policía: policía bueno, policía malo.

Habla con los actores individualmente .

Para tu actor más experimentado, puedes probar sutilezas, razones, caricias al ego: “sabes que Danny no ha estado en eso tanto tiempo como tú. Lo que realmente te hará brillar es si le das el espacio para descubrir el cuchillo su propia.”

Es posible que tengas que maltratar a tu mal actor: desafíalos a intensificar. “¿Vas a dejar que te acompañe en esta escena? Aquí hay una oportunidad para dejar tu huella. ¡Esta escena es sobre ti!”

Cualquiera sea la técnica que utilice, la realidad es que si uno de sus actores no es generoso con sus talentos, los resultados pueden aparecer en la pantalla. Resolver este desequilibrio y eliminar la competencia innecesaria permitirá a los artistas volver al problema original:

cómo hacer que la escena funcione …

Comunicarte con los actores, descubrir qué los motiva a dar lo mejor de ti, es tu tarea de espiar en cualquier película. Asegúrate de elegir a la persona adecuada y trabaja el material hasta que sea correcto. La verdad emocional que pones en la pantalla hará el resto del trabajo por ti.

De alguna manera para muchos directores es más fácil dirigir una cámara que dirigir a un actor. No muchos lo admiten, pero incluso los grandes maestros son arrinconados a veces por las preguntas más simples de los actores (cuidado con el famoso “¿cuál es mi motivación?”).

Es más fácil tratar con técnicos que con actores …

Porque esto último implica tratar con emociones humanas complejas. Pero al mismo tiempo, la emoción es lo primero y hace que el público “haga clic” con las películas.

El error común del director: volverse demasiado técnico, no pasar suficiente tiempo con los actores y, por lo tanto, no poder hablar su idioma, hace que la película se caiga en los momentos emocionales. Tenga la seguridad: ninguna edición, acrobacias o efectos especiales podrán ocultar eso. Inversamente, la actuación creíble y las emociones genuinas salvarán incluso una película de bajo presupuesto y técnicamente imperfecta. Pero, ¿cómo se puede lograr eso?

En primer lugar, hacer muchos ensayos. Pero incluso si tiene un tiempo limitado, hay algunos métodos que ayudarán a los actores a conectarse con usted, sus respectivos personajes y entre sí, mejorando drásticamente la calidad general de la película.

Tener un poco de tiempo a solas.

Gana la confianza de los actores al animarlos y dedicarles tiempo incluso si estás realmente ocupado; después de todo, nada es más importante que estos tipos. Pide un silencio total en el set o llévalos a un lugar tranquilo para hacer los últimos preparativos. Establece el ambiente para la próxima escena. Una buena técnica aquí es tener una lectura cara a cara, solo pídales a los actores que digan sus líneas mirándose sin parar.

Usa verbos de acción.

Un error común es la llamada dirección del resultado, cuando se usan los adjetivos.

Decir “Estar triste”, “Estar feliz”, “Estar enojado” llevará a los actores a hacer muecas y jugar un estado emocional en lugar de experimentarlo realmente.

Incluso los mejores de ellos no son robots y no solo pueden seguir tus órdenes: tendrás que ayudarlos. La mejor manera aquí es usar más verbos de acción, como “convencer”, “insistir” o “desalentar” para hacer que los actores pasen por un proceso que los ayudará a llegar a donde quieres que estén. Robert de Niro le dio una gran lección de dirección a Martin Scorsese. En la famosa escena del taxista cuando están juntos en la cabina, dijo: ¡hazme bajar el mostrador!

Establece metas personales.

Dale uno a cada actor y no se lo digas al otro. Estos son excelentes para ensayar, pueden ser extremos y agregar espontaneidad a lo que sucede en el cuadro. Ejemplos de los objetivos para ambos actores: “hacer que te abrace, resistir todo contacto”, “irritarlo, calmarla”, “hacer que te quiera, usar cualquier pretexto para hacer pipí”. Sí, incluso eso, ¡no tengas miedo de establecer objetivos extremos! Se pueden ajustar a los más pertinentes cuando llegas a la sesión real.

Las seis preguntas que un director debe poder responder para cada actor en una escena:

• ¿Quién soy?
• De donde vengo
• ¿Dónde estoy?
• ¿Con quién estoy y cómo me siento acerca de él / ella?
• ¿Qué quiero de esta persona?
• ¿Qué estoy haciendo para obtener lo que quiero?

Objetivos de escena

¿Cuál es la intención de la escena? ¿Por qué esta escena en la historia? ¿Qué pasa en la escena? ¿Cuál es el motivo de la escena? ¿Avanza la historia? El objetivo de la escena lleva al personaje a través de esta escena en particular. También es algo que un personaje debe lograr en esa escena. Es algo que el personaje desea y quiere alcanzar conscientemente. Estos objetivos generales son los que impulsan toda la película hacia adelante y crean un estado de suspenso que genera la participación del público:

• – ¿Qué va a pasar después?
• – ¿Cuál será el resultado?
• – ¿Quién gana al final?

Objetivos del personaje:

Súper objetivo (“Poder sobre las personas”)

• – ¿Cuál es la motivación principal del personaje?
• – ¿Cuáles son las principales necesidades del personaje?

Objetivos (“Dominar el personaje X”)

• – ¿Qué quiere el personaje (motivos)?
• – ¿Cuáles son sus elecciones activas para lograr el súper objetivo?

Acciones principales (“Lo que hacen al personaje X”)

• – Lo que hace el personaje …
• – Para conseguir lo que QUIERE …
• – Para satisfacer sus NECESIDADES

Haz exactamente lo contrario de lo que quieres de la escena.

Volverse loco. Pídales a los actores que canten sus líneas o dígales como si tuvieran un impedimento para hablar. Puede que te odien por eso, pero estos ejercicios difíciles les ayudarán a ganar libertad interior y a mirar a sus personajes desde un nuevo ángulo.

Silla caliente.

Lo que significa entrevistar al actor como personaje, haciéndole preguntas sobre su pasado o su actitud hacia personas y eventos específicos. Esto hará que se meta en la cabeza del personaje y comprenda mejor sus antecedentes.

Dales un objeto para aferrarse y jugar.

Los actores se sienten mucho más cómodos cuando no solo están sentados o de pie, sino fumando una pipa, escribiendo en un cuaderno o tomando sorbos de un vaso de whisky. Les da algo que hacer y conectarse mejor con el personaje. No es necesario decir que el objeto no puede ser algo aleatorio y debe ser relevante para la historia.

Atribuir tareas físicas.

Esto ayudará a que las líneas suenen más naturales porque los actores no tendrán tiempo para pensar en ellas. Así que haz que actúen mientras hacen otra cosa (como liberarse cuando se mantiene presionado o agarrar un trozo de tela que se les está sacando). Esto no tiene que suceder en la escena real, pero agregará más profundidad a la actuación después de haberlo hecho en el ensayo.

Utiliza la manipulación.

Pero con precaución. Puede exprimir las actuaciones más naturales de sus actores al no decirles qué sucederá exactamente durante el rodaje.

Bergman fue quien utilizó la manipulación hasta el punto en que los actores no podían soportarlo, pero esto realmente los llevó a lugares.

Sin embargo, no exageres. Una actriz bastante famosa contó una historia instructiva sobre el peligro de la manipulación. Se suponía que iba a montar el caballo, y el director le pidió a uno de los miembros de la tripulación que asustara al animal sin decirle. Eso la hizo perder la confianza en el director hasta el final del rodaje.

Trabaja en la intensidad de la voz, no en el volumen.

Si los actores se vuelven demasiado teatrales, no les digas eso (esto es lo peor que pueden escuchar de un director), solo pídeles que mantengan la voz baja. A menudo piensan que gritar les ayudará a transmitir una emoción intensa, pero no lo hará.

Invoca sus recuerdos

para que puedan conectarse mejor con el personaje. Pídale a un actor que encuentre algo en su experiencia personal que sea similar a lo que está pasando su personaje. Vivir en un recuerdo triste, por ejemplo, lo ayudará a mostrar pérdida y

Haz una ‘toma’ por seguridad.

Alivia la presión, hace que los actores crean que lo hicieron bien en la toma anterior y lograron lo que el director les había pedido. A veces, esas tomas son las mejores y son las que entran en el corte final.

Diles que nunca dejen de actuar antes de decir corte.

También es una buena idea que comiencen a actuar antes de decir ” ¡acción! “.

Personalmente deberías estudiar mucho. Lee libros y cosas. Ver la foto a continuación:

Imagen : Escaneé las páginas del libro: ‘ Art of Directing Actors ‘ de Ernest Goodman.

Según lo dicho por – Peter D. Marshall | Abajo:

Tratando con actores que cambian el diálogo

Cuando se trata de actores que quieren improvisar y cambiar su diálogo, asegúrese de saber cuál es la intención de la escena primero. Una vez que usted y el actor estén de acuerdo en la intención de la escena, pueden seguir adelante e improvisar su diálogo, y el objetivo de la escena aún se cumplirá.

Los actores deberían “hacer” en lugar de “decir” – Peter D. Marshall

Cuando trabajes en tu guión y cuando filmes en el set, asegúrate de que los actores “hagan cosas” en lugar de “decir cosas”.

Cómo dirigir actores: hablar con actores a través de BBC Academy

Solo sea amigo de los actores (no estoy seguro si es adecuado para todos)

Concluiré con algunas breves reflexiones sobre ser amigo de actores. Puede ser difícil para un director ser amigo de actores, porque existe un posible conflicto de intereses. Los actores siempre esperan que sus amigos directores los incluyan en sus proyectos, pero la verdad es que el director siempre debe ser completamente desapasionado y buscar el mejor actor para el papel, incluso si eso significa emitir una película de 200 personajes sin incluir uno solo. de tus amigos Si quieres resultados sobresalientes tienes que ser profesional, tienes que ser ambicioso, tienes que ser desapasionado. Dicho esto, también es cierto que los verdaderos profesionales entienden que no habrá un papel para ellos en cada proyecto que disparen sus amigos.

La amistad icónica entre Robert De Niro y Martin Scorsese es el mayor ejemplo de cómo la relación entre el actor y el director puede afectar el resultado de la actuación del actor, la propia dirección del director y la película en sí.

Esperemos que esto funcione … si no, entonces espero que te enseñe algunos trucos nuevos (si aún no lo sabías …). Honestamente, intenté …

Gracias,

Asif Ahsan Khan

Algo interesante ( podría ayudar al director y pueden ser también los actores, con quienes está trabajando, de alguna manera ) : Ahora, tómese un segundo para pensar en lo mucho más interesante que pudo haber sido El lobo de Wall Street si Winter y Scorsese habían decidido, como práctica, escribir un insulto diferente cada vez que escribían la palabra “f * ck”. Simplemente gastando un par de minutos extra de energía creativa para cada improperio, podrían haber desarrollado un diálogo más fuerte, lo que lleva a personajes más fuertes. Como Burger Fiction nos muestra en el supercorte a continuación, algunas de las líneas más memorables del cine provienen de este mismo ejercicio. ¿Qué pasaría si Leia hubiera llamado a Han ” un hijo de puta” en lugar de un “nerfherder”? El | Blasfemias en películas | Maldiciendo sin Maldecir

También vea estos enlaces:

• Cómo Steven Hoggett encuentra el movimiento en cada cuerpo
• Lo que hace un director de cine después de decir “CUT” – Raindance
• Cómo dirigir actores: una conversación con Adrienne Weiss
• Cómo dirigir actores y equipos de filmación: consejos detallados para cineastas independientes
• Cómo dirigir a los actores: consejos del actor convertido en director Nick Sandow de The Wannabe – Revista MovieMaker

También vea este libro:

Filmcraft: Directing , un nuevo libro sobre el arte de dirigir del director ejecutivo de Protagonist Pictures, Mike Goodridge , acaba de ser publicado por Focal Press / Ilex.

El libro presenta entrevistas con dieciséis directores notables, incluidos Clint Eastwood (Million Dollar Baby, Unforgiven), Guillermo del Toro ( Pan’s Labyrinth), Paul Greengrass ( T the Bourne Supremacy, United 93), Peter Weir (The Truman Show, Dead Poet’s Society). ), Terry Gilliam (Brasil), quienes comparten sus ideas y experiencias sobre todo, desde el desarrollo de un guión hasta el trabajo con el equipo y la edición. El | Amazon : Amazon.com: FilmCraft: Directing (9780240818580): Michael Goodridge: Libros

Answer 2

Aprendí a superar este desafío cuando toleré un semestre del ROTC de la Fuerza Aérea hace más de 20 años. Mi mayor temor no era la prueba de aptitud física. No estaba tomando órdenes. Fue esto:

No estoy coordinado en absoluto. Me confundo de izquierda a derecha. Pero me inscribí de todos modos para la experiencia. Efectivamente, arruiné la cuarta izquierda / derecha que escuché. Todos se estrellaron contra el pavimento como fichas de dominó. Bueno, no está tan mal, pero se sintió de esa manera. También a veces, después de un giro, moví mi brazo derecho al mismo tiempo que mi pierna derecha y la izquierda con la izquierda.

El capitán se acercó y me miró. Me dijo: “¿Qué estás haciendo? Simplemente camina”. Entonces caminé. “¡Izquierda!” Doblé a la izquierda. “¡Derecho!” Yo gire a la derecha. Pero solo caminaba y no marchaba. Espera un segundo. Estaba marchando bien. Me estaba centrando en las instrucciones en lugar de en cómo debía mover mis pies.

¿Ves a dónde voy con esto? Se trata de centrarse en la historia y no en las acciones. Como director, hay tres estrategias principales que utilizo para obtener acciones naturales de mis actores.

1. Practique todo hasta que sepan muy bien el diálogo y la secuencia de acciones. No deberían tener que pensar en lo que deben hacer. Deberían centrarse en el por qué. Deberían centrarse en los otros actores y la situación. ¿Qué están tratando de lograr? No pueden hacer eso si están tratando de pensar en la mecánica y el lenguaje.
2. Con respecto a enfocarse en los otros actores, insíntalos a escuchar lo que los otros actores están diciendo más y pensar en lo que eso significaría para su personaje. Comenzarán a reaccionar como si viniera de ellos en lugar del escritor del guión. Una gran parte de esta reacción es lo que están haciendo mientras el otro actor está hablando. Las sutilezas. Habrá un deseo ardiente de hacer las acciones que realiza el personaje cuando suceda en el guión.
3. Distraerlos . Alguien que tiene las líneas y las acciones abajo podría estar pensando demasiado y preocupándose por cómo aparecen. Dales algo más que hacer, para distraerlos de su apariencia. Quizás hacer que barajen un mazo de cartas o tamborileen con los dedos. Permítales enfocarse en eso más que en su lenguaje corporal. Comenzarán a “caminar” normalmente.

Hay muchas otras estrategias que pueden hacer el trabajo, y es cierto que cada actor es diferente, pero estos enfoques han resultado en el mejor éxito para mí.

Answer 3

Gracias por la pregunta, pero tratar este problema específico depende en gran medida de cada caso.

Estoy de acuerdo en general con las otras respuestas publicadas a esta pregunta. Sin embargo, no puedo aceptar que haya una respuesta única para todos. El único consejo general es que debe buscar averiguar por qué el actor se mueve de forma antinatural. Sin embargo, probablemente no podrá hacerle esta pregunta al actor directamente porque la mayoría de las veces (incluso si el actor sabe que se están moviendo de forma no natural) no sabe por qué se mueven de forma no natural.

Mi segundo consejo general sería ser despiadado sobre los métodos que emplea para ayudar / forzar al actor a superar el problema. Todos queremos ser buenas personas y en el set somos como una familia, pero un actor preferiría odiarte en el momento y lucir bien en la pantalla antes que como tú en el momento y lucir falso en la pantalla. Para mí, este es el compromiso cuando se trata de actuar o dirigir. El compromiso de soportar lo que sea para crear la película.

Ahora, algunos consideran que esta idea de ser despiadado significa ser un imbécil, pero eso no significa eso. Significa que no debes pensar en ti mismo, sino en el proyecto. El proyecto debe ser su primera prioridad. No es tu carrera, ni tu pareja, especialmente tu ego. Con demasiada frecuencia, he visto a personas que aparecen para darse cuenta de que tienen que hacer este horrible proyecto. Sin saberlo, entonces es quién lo está haciendo malo. ¿Esto significa que cada proyecto puede ser una obra maestra del cine? Quién sabe. Pero cada proyecto tenía el potencial de ser grandioso siempre y cuando los que trabajan en él crean en él. Del mismo modo que la pasión de un actor se transfiere a la pantalla o la pasión de los escritores a la página, cualquier persona involucrada en las transferencias establecidas al proyecto también.

Entonces, ¿cómo resuelve esto el movimiento de un actor? No lo hace directamente. Aquí hay algunas estrategias que he usado en el pasado para superar un problema como el que usted describe:

• Patea a todos, excepto a ti y a los actores, y juega algunos juegos de movimiento teatral.
• Usa algo para sorprender al actor en una reacción natural. Con esta táctica encubierta y algo mezquina, no necesita la reacción que sorprende del actor para que sea la reacción exacta que requiere la escena. Es decir, si la escena requiere tristeza o alegría, no necesitas provocar miedo o alegría. Puede provocar conmoción, dolor o enojo y PUEDE leer mejor.
• Deja de dejar que el actor se mueva. Es decir, imponer una gran cantidad de restricciones al movimiento de los actores para que solo puedan moverse en un espacio pequeño o confinado, etc.
• Haga un montón de tomas rápidamente sin descansar en el medio. Obviamente, con movimientos de cámara e iluminación complicados o efectos no es posible.
• Haga que el actor haga un movimiento que no sea realtor de la escena. Por ejemplo, hacer que la gente en una cafetería comience a dibujar el retrato del actor con el que están jugando.
• Tú mismo haz un gran berrinche enojado, aléjate y luego vuelve y dispara a la escena.

Loco se puede ver en mis ejemplos. No me preocupaba que el actor realmente lo sintiera. No me preocupaba la autenticidad del sentimiento. Me preocupaba la autenticidad de la audiencia. Mi papel como director era estar allí para el público y no para nadie más.

Además, quiero asegurarme de que la gente entienda aquí que los ejemplos anteriores no pretenden ser una guía de qué hacer. Tienes que tener mucho cuidado en lo que haces en un proyecto. Cada proyecto tiene su propio sentimiento y su propia vida. No se puede hacer un berrinche cada vez o sorprender y actuar cada vez que solo hace muchas tomas rápidas. Así no es como funciona la forma de arte. Tienes que estar en el momento tanto como el actor y decidir en el momento hasta dónde puedes empujar el sobre sin destruir el proyecto. Si presiona demasiado, puede haber salvado ese momento de actores, pero acaba de sacrificar toda la película porque ahora el equipo y el resto del elenco están fuera. Por eso se dice al principio que puedo responder o estar de acuerdo con las generalidades. Cada problema en el set es demasiado específico para el set.

De todos modos, tengo que estar en desacuerdo con otra cosa que leí en una respuesta. Se dijo que un actor necesita presentar su movimiento o su motivación para el movimiento. Esto está completamente mal para mí. Un director necesita haber revisado todo el guión y dividir el guión en los ritmos motivacionales y sus acciones correspondientes antes de que alguien pise el set. Es posible que no utilice ninguna información, pero debe tener una idea clara de lo que podría ser el movimiento de los actores y por qué sería eso. Una de las cosas que siempre me ha molestado es ver a los directores inventar acciones frívolas por el simple hecho de tener movimiento en el marco. Para mí, mostró a alguien que no había hecho su tarea. O creía que su trabajo era más sobre la cámara y el aspecto técnico que sobre la actuación.

Así que ese es mi consejo largo y sin aliento. Este es un consejo, no una ley, y ciertamente no cómo otras personas hacen las cosas. Toma lo que puedas usar y tira el resto a la basura. Disfruta 😉

Answer 4

Una película es el producto de muchos elementos, y el rendimiento es seguramente uno de los más importantes, si no el más importante. El movimiento es desempeño, y notarás que lo que nos irrita a menudo es que la gente se mueva innecesariamente, solo por el hecho de moverse. Los grandes actores famosos traen algo que distrae al espectador de este movimiento superfluo, o algo que hace que el no movimiento sea igualmente interesante, agregando un accesorio a la actuación, un bastón, un bolígrafo, un cigarro, un pedazo de papel, cualquier cosa que pueda ayudar a hacer movimiento, o no movimiento, más natural. Mire a los artistas de fondo en una película, los que están ocupados en el fondo en una estación de policía, por ejemplo, mientras los protagonistas caminan por un pasillo o cuando hablan mientras están estacionarios. Lo que notará es que a menudo estos extras llevan una hoja de papel, o conversan con un colega o hablan por teléfono o simplemente escriben, en otras palabras, se ocupan como la gente realmente lo hace en la vida real. Ahora fíjate en los actores principales, ¿qué es lo que encuentras irritante y antinatural? Exactamente eso, no natural , se mueven en un patrón o forma que su cerebro considera falso. ¿Cómo se puede resolver eso? A menudo, este es el resultado de que un actor simplemente es malo, por lo que él / ella “actúa” en lugar de “ser”. Eso es malo, y resolver que no tienes otra opción que conseguir un mejor actor que sea más convincente interpretando el papel, por lo que el casting es esencial. Sin embargo, el problema podría estar en el guión, el diálogo, que hace que el actor se sienta incómodo (“mi personaje no haría / diría eso”) y consecuentemente ‘endurece’ la actuación (lea el comportamiento del personaje aquí).

¿La solución? Trabaja en el guión con los actores hasta que fluya de forma natural, no tengas miedo de cambiar el diálogo o la acción para adaptarlo a un buen actor o, en cualquier caso, pregúntale cómo actuaría en ese momento y tenlo en cuenta.

La mayoría de las veces, lo que percibimos como antinatural es algo que no es “creíble” para ese momento, y que no es solo una mala actuación, sino también una mala dirección.

Answer 5

Si bien los actores verdes son rígidos, y eso solo se puede curar con experiencia, la película con guión no es natural y, a menudo, gran parte de lo que se reproduce en la pantalla es diferente a la realidad de manera sutil.

Los actores profesionales saben dónde está la cámara y cómo “ve” el rendimiento (he hecho que muchos actores veteranos pregunten la distancia focal de la lente en la que estoy para una configuración … y luego saben instantáneamente qué hay en la escena y los ajustes pueden gustarle hacer cosas como la velocidad de pararse o girar (ya que estas cosas pueden tener un efecto diferente en una toma panorámica o de cerca), qué tan alto hacer un gesto para ser visto en el cuadro, etc.

Es interesante. Grabé una característica tradicional de una sola cámara con una actriz que solo había trabajado en comedias de situación (4 cámaras). Tuvo problemas reales al no jugar como si fuera un juego de 3 paredes, y problemas reales al esperar adaptarse a varias cámaras cuando golpeó varias marcas. Ella jugaba demasiado “abierta” la mayoría del tiempo para muchos ángulos … y esta era una verdadera actriz que reconocerías. Otras veces tendrás estilos de actuación profesional que implican improvisación y autocorte, retrocediendo y recogiéndolo a mitad de la escena. Si un actor está demasiado acostumbrado a esto, puede hacer que las escenas de larga duración (cámara coreografiada y movimiento de talentos, codicia de un disparo) sean imposibles de filmar o cortar. Y estos son profesionales.

El movimiento técnico es difícil de fingir … la mayoría de los actores no pueden usar convincentemente herramientas mecánicas o utensilios de cocina si no pueden trabajar en automóviles o manejar la cocina … por lo que el ensayo genera familiaridad y autenticidad. Envíe a la actriz a vacas lecheras una semana antes de que interprete a un granjero lechero y tenga la oportunidad de ser convincente. Enséñale el día y no tendrás escena.

Fue dicho anteriormente por otros … casting. Ese es un buen punto de partida. Hay demasiados actores entrenados cómodos en su piel para sufrir uno incómodo. Pero dicho esto, incluso los profesionales se benefician del ensayo (tiempo + $) y la orientación (director que entiende el movimiento, la edición, las lentes y los estilos de actuación y puede identificar lo que no es natural y masajearlo con ajustes suaves … o disparar a su alrededor).

Answer 6

En las películas de aficionados, generalmente los no actores, los aficionados o los actores de teatro que desempeñan los roles pueden sentirse incómodos y / o no están familiarizados con la actuación ante la cámara. También hay momentos en que los movimientos naturales no se ven naturales en la cámara debido a varios factores, como el ángulo, la elección de la lente y el movimiento de la cámara. Los cineastas engañan el posicionamiento del talento todo el tiempo para hacer que las cosas se vean “normales”. Lo mismo ocurre con el movimiento a través o a través de la pantalla. Por ejemplo, durante una panorámica, le pediré a los talentos que caminen más despacio a medida que pasan cerca de la cámara para evitar que el operador tenga que batir la panorámica para mantenerlos en la pantalla.

Sin embargo, en última instancia, todo está en el bloqueo y en cómo se escenifica la escena. Las películas de aficionados generalmente no dedican gran parte de su tiempo y presupuesto a la preproducción, pero no hay excusa en el set para no abordar algo que parece extraño en el monitor. El trabajo del director es trabajar con los actores principales, por lo que si se ve mal o no es natural, trabaje con ellos y cámbielo. No es más desafiante (y en muchos sentidos más fácil) que pedirles que emulen una línea de manera diferente.

Answer 7

El mal desempeño de los actores, ya sean aficionados o profesionales, generalmente se debe a la falta de compromiso con el personaje.

Lo que esto significa es que no practicaron / ensayaron lo suficiente o se sintieron lo suficientemente seguros como para inyectar autenticidad y credibilidad en su carácter.

La falta de compromiso se debe a:

• No hay suficiente práctica / ensayo
• No comprende completamente el subtexto y la psique del personaje.
• Miedo al rechazo (miedo de que sean criticados incluso después de dar lo mejor de sí mismos, mientras que si no se comprometen por completo, pueden decir que si lo hubieran intentado, sería muy diferente)

Es comprensible que los actores aficionados no tengan la misma cantidad de recursos que los actores profesionales (es decir, segundo trabajo, no hay suficiente tiempo para practicar, no hay entrenador de dialecto, etc.) y su temor al rechazo o la desaprobación de su desempeño es mucho mayor.

Como director, debes darle al actor suficiente tiempo para practicar y darle vida al personaje. Debes explicar completamente la motivación del personaje y la historia de fondo para que el actor pueda entenderlo mejor. Debe proporcionar un entorno seguro para ellos donde se sientan cómodos al brindarle su mejor rendimiento. Apresurarlos o criticar generalmente no ayuda, ya que el miedo es parte de la razón por la cual no están completamente comprometidos.

Los directores con un presupuesto limitado generalmente no tienen mucho tiempo durante la producción para proporcionar a los actores un ambiente tan guiado y cómodo, por lo que la práctica de preproducción y el ensayo ayudan a calmar el miedo del actor y les permiten comprender mejor al personaje.

¡Buena suerte!

Gracias por el a2a

Answer 8

No tengo experiencia en dirigir actores, pero asistí a un taller con una perspectiva muy interesante sobre el tema. El taller fue impartido por el director Scandar Copti, uno de los invitados del festival con el que estoy colaborando. El debut de Scandar, “Ajami”, ganó la Camera d’Or en Cannes y es un experimento muy interesante en el trabajo con personas que no son actores.

El director desarrolló este método a través del cual trabajó con los no actores varios meses antes de filmar la película. No estaban ensayando las escenas reales, pero estaban construyendo los personajes a través de situaciones en las que habrían estado fuera de la historia principal y fuera de cámara. Por ejemplo, se suponía que un chico y una chica eran una pareja, así que como parte de su preparación tuvieron una cita a ciegas, así es como los dos no actores se conocieron por primera vez, al igual que sus personajes.

Además de esto, durante el rodaje real de la película, los actores no tenían un guión y, a menudo, no se les dieron todos los detalles de la escena en la que estaban a punto, para capturar reacciones auténticas en el diálogo, así como en los movimientos y la mímica.

Como era de esperar, esto crea un calendario de producciones bastante complicado y también afecta la forma en que se filma la película: a lo largo de la película, varias cámaras participaron en el rodaje de cada escena y casi nunca hubo una segunda toma.

Esto es solo un ejemplo y su funcionamiento depende del proyecto. Creo que, en términos generales, la clave es la preparación. Ya sea con actores profesionales o no profesionales, gran parte del trabajo del director consiste en preparar a sus actores para encarnar su visión de los personajes.

Answer 9

Hay muchas buenas respuestas aquí, por lo que parece, y confieso que no las he leído todas, así que crucé los dedos, no estoy repitiendo lo que ya se ha dicho.

Tres pensamientos sobre esto …

a) Un buen bloqueo permitirá que un actor se mueva más ‘naturalmente’. Si está bloqueando a los actores para que se muevan de manera antinatural para adaptarse a sus tomas, entonces obviamente no se verán naturales. Intenta pensar en cómo se mueven realmente las personas, el tipo de cosas que las personas hacen naturalmente cuando hablan, caminan o lo que sea que estén haciendo tus personajes antes de bloquear. También es útil darles a los actores algo que hacer mientras están en una escena. Entonces, en lugar de solo dos personas de pie y hablando, pídales que caminen, o que limpien o reorganicen las cosas en la mesa, etc.

b) Los directores no son entrenadores interinos. Un Director que tiene que enseñarle a un actor cómo actuar es el equivalente a un CEO de una aerolínea que tiene que enseñarle a un Piloto a volar. El piloto ya debería saber cómo volar antes de estar en el trabajo. Claro, en las películas de aficionados, es posible que deba “entrenar” un poco para obtener la actuación que desea de un actor no capacitado, pero prefiero pasar más tiempo lanzando mejor que tener que perder el tiempo enseñando a los actores su oficio en el set.

c) Por otro lado, actuar es mucho más difícil de lo que la mayoría de la gente piensa. Lo hice yo mismo y el mayor desafío es intentar actuar de forma ‘natural’ cuando la cámara está sobre ti. Te vuelves consciente de ti mismo y comienzas a analizar cada movimiento. Es por eso que los actores aficionados tienden a verse ‘de madera’ en la cámara. Intenta que dejen de pensar. Relájate, haz que hagan la acción que necesitas tantas veces como sea posible mientras el equipo prepara la toma. Haz que lleguen al punto en que se aburran y sigue hablando con ellos, distrayéndolos, manteniéndolos calmados y manteniendo su mente fuera de escena. Sea informal, esté tranquilo y no piense en su ansiedad por el desempeño. Asegúrate de felicitarlos por el rendimiento también, incluso si es un poco malo. Diles que fue genial, pero tal vez vayamos de nuevo e intentemos insertar x . Desarrolle su confianza, cada vez. Eso también se aplica a los actores profesionales. No toma mal olor o era “malo”. Solo quieres volver a intentarlo y buscar una ‘vibra’ diferente o algo así.

Answer 10

No se mueven naturalmente debido a la autoconciencia. Se están centrando en cómo se mueven en lugar de en lo que su personaje está pensando, sintiendo y diciendo. Pídales que ensayen la escena haciendo que TODOS los actores de la escena hagan cosas escandalosas como caminar como un pato a través de la escena, imitando a los bailarines de ballet moviéndose a través de la escena, pavoneándose a través de la escena. Cuanto más escandaloso, mejor. Se producirán muchas risas. Después de que esto haya sucedido, pídales a los actores que simplemente caminen por la escena diciendo sus líneas para bloquearla (sin decirles que la cámara se está moviendo). Esto puede producir un rendimiento más naturalista. Si no es así, repita la escena una y otra vez dirigiendo a los actores a enfocarse en algo (es decir, quitando la cafetera del otro actor; moviendo la silla al otro lado de la habitación, enderezando las flores en un florero) mientras dice sus líneas. Con suerte, esto les hará olvidar cómo se mueven y su movimiento se volverá más naturalista. En privado, puede ser útil decirle a un actor que haga algo no previsto por otro actor, especialmente si entra en conflicto con las instrucciones dadas en privado al otro actor.

Answer 11

Actuar es un trabajo muy difícil. Durante los ensayos, tanto el Director como DP intentan dar a los actores la máxima libertad para moverse por la escena como la sienten. Pero al elaborar el bloqueo, ciertas cosas solo tienen que tener puntos de tiempo. Entonces, la mujer necesita llegar a este punto en la habitación antes de que el hombre entre por la puerta. O Lucy necesita estar aquí en la recepción cuando Carl entra. Entonces, el bloqueo básico se refina, mejora y guía en una forma repetible final viable. Dependiendo de la escena, el estilo de dirección, la ubicación, el equipo disponible, el tamaño de la tripulación y el tiempo, el bloqueo podría ser bastante rígido y requerir que todos golpeen sus marcas o podría ser más flojo hasta cierto punto.

En cuanto a lograr que los actores se muevan de forma natural, los buenos se mantienen en el personaje y pueden moverse sin esfuerzo y de manera creíble en cualquier lugar de la ubicación. Un buen actor que entiende que su personaje puede moverse sin que parezca que se está moviendo sin razón.

Aquí hay un hipotético bloqueo de sofá a ventana con dos actores diferentes. Lo que sucede en sus cabezas marca la diferencia en cómo actuarán y se moverán.

# 1 Diálogo interno del mal actor: diga las tres líneas, luego levántese, camine lentamente hacia la ventana, párese aquí y mire afuera por tres latidos, luego sorpréndase al ver al jefe que sube por la acera.

# 2 Diálogo interno de buen actor: Ese maldito Carl es un imbécil, la forma en que me trató hoy fue totalmente erróneo … Espera … ¿fue un portazo de un auto? No, no podría ser … Él no vendría … ¿Es qué? después de las 9. 9:30 p.m. No hay manera Joder, ¿ese es su auto? ¿Es él el que camina detrás de ese árbol? ¿Qué es lo que lleva? Oh mierda, es él. No puedo ver su rostro, ¿por qué está aquí? ¿Qué hago ahora? No estoy en casa. Ido. Mierda, mierda, mierda. No, necesito aclarar esto … ¡va a tener un pedazo de mi mente! No, mierda … mejor no, necesito este trabajo, mamá está muy enferma. Aaaah él está en la puerta! Creo que me vio! ¿Puede ver a través de estas cortinas desde afuera? No estoy seguro. Mierda.

Si un actor tiene un diálogo interno como lo hace cualquier persona normal cuando no está actuando, entonces esperamos que sus movimientos sigan su ejemplo. Si simplemente se mueven entre líneas, nunca se verá real.

Answer 12

Un buen consejo es no necesariamente dictarle al actor qué hacer. Si no desea que parezca que están recitando algunos pasos, no los haga recitarlos.

En la práctica, esto significa involucrarlos mientras bloquean la escena: pregunta si eran el personaje, ¿a dónde se moverían? Luego pensarán en términos de objetivos y, con suerte, parecerán más auténticos.

Los no actores pueden necesitar ayuda para pensar como un actor, por lo que es bueno darles objetivos como “estás tratando de convencer a John de que te deje usar su Playstation”. Quieren estar pensando y sintiéndose como el personaje (de nuevo en lugar de parecer que están recitando algunas líneas).

Esto puede significar ser flexible con el diálogo, que probablemente deberías ser de todos modos, a menos que sepas que es un genio absoluto (es poco probable que lo sea).

También significa saber qué piensan los personajes y por qué. Respaldaré el hecho de conseguir el actor adecuado para el papel y tener una historia bien escrita con personajes y escenas bien diseñados. Si no tiene estas cosas, no hay casi nada que pueda hacer (aparte de revisarlas mientras dispara).

Los diferentes actores son diferentes, así que no tengas miedo de probar diferentes enfoques para ellos.

Pero, sobre todo, me aseguraría de que tus escenas estén bien diseñadas. Hay un 99% de posibilidades de que este sea el problema.

Ver también:

La respuesta de Matt Burwood a ¿Hay límites para el estilo de “show, don’t tell” en la escritura?

¿Cuáles son algunos consejos de cineastas para obtener grandes actuaciones con actores aficionados?

Answer 13

Gracias por preguntarme. Siempre trate de asegurarse de que estén relajados, tan relajados como sea posible. Su relajación hará que su comportamiento, hablar, moverse, sea natural. También estoy de acuerdo con el Sr. Pagot. Tus actores necesitan sentir una conexión con el personaje. Puedes asegurarles en algún momento (incluso si estás mintiendo) que hay algo sobre ellos en la vida real, sobre su aura que es exactamente igual al aura del personaje. Cuando haga esa tranquilidad, no agregue dirección o críticas, simplemente hágalo como un gesto de felicitación o como si estuviera impresionado. Incluso podrías sonreír y llamarlos el nombre del personaje, como si fuera una broma íntima, o que te sorprenda tanto que se convirtieron en el personaje. Eso podría sorprenderlos, pero luego internalizarían su comentario y comenzarían a ser dueños del personaje porque una vez que vea algo en ellos, ellos también podrán verlo. Luego, cuando van al set para un ensayo o una carrera, y si todavía se mueven de manera antinatural, puedes llevarlos a un lado y decir: “Sabes, te vi caminando cuando estábamos tomando un café” (o vi tomas tu café durante el descanso) Sé cómo caminas (o tomas tu café) y esa es exactamente la manera perfecta, por eso tuve la suerte de encontrarte, realmente eres el papel “. Dependiendo de varios factores, también podría hacer lo siguiente: hacer que recorran la escena o la toma, solo enfocándose en sus movimientos (no en las emociones o líneas que se supone que deben decir). usted como director, bloquee si arruinan sus emociones o líneas. Cuando los ve moverse naturalmente, al menos están listos para la escena en un nivel físico. Entonces podrías hacerlo de nuevo, solo con las emociones. Luego, cuando los tengan abajo, hazlo con las líneas. Otros consejos: Al principio, puedes pedirles que se muevan de la manera que quisieran, solo para que fisicalicen su personaje. Una vez que se conectan en el nivel físico, según Stanislavski, las partes internas serán naturales. Hay muchos juegos de actores que puedes hacer para ayudarlos a fisicalizarse. Puede hacer que hagan la escena sin hablar, pero que tengan que comunicar lo que sea necesario en la escena usando solo su cuerpo. Hay muchos otros juegos y ejercicios de actores que puedes hacer con ellos.

Answer 14

Hay excelentes respuestas a esto ya publicado. En pocas palabras, nada reemplaza la preparación . Práctica. Ensayo. Practica más. Haga que el actor se mire a sí mismo en un espejo (o se pegue con cinta adhesiva) para ver cómo se están moviendo, y si realmente se han comprometido y habitado su personaje. Y, como director, debes hacer la misma preparación para cada uno de tus personajes principales que tus actores.

Answer 15

El aspecto más perspicaz de su pregunta es que pregunta específicamente qué puede hacer un director, y esto es muy significativo porque hay mucho que puede hacer un director. Se podría pensar que sería natural para un actor “moverse naturalmente”, pero este no es necesariamente el caso. El director tiene mucho que ver con eso.

Lo primero que debe hacer el director es estar atento y atento. Si algo no se ve bien, no debe ignorarlo. Un ejemplo bien conocido sería el exitoso director William Wyler, quien relata una historia en su autobiografía sobre la dirección de Olivia de Havilland en “La heredera”. La escena no podría ser más simple: de Havilland toma una maleta y sube unas escaleras. Aún así, algo estaba mal. Wyler pidió toma tras toma, sin saber qué era. Finalmente se dio cuenta del problema: no había nada en la maleta. No tenía peso. Entonces hizo que los chicos de utilería pusieran algunas cosas en el estuche y ahora parecía más real y natural cuando ella subía las escaleras. Problema resuelto.

Otro problema con el que solían encontrarse los directores de cine, tal vez ya no tanto, es que los actores, tal vez más acostumbrados al teatro, tenían un problema para actuar de forma no ensayada y natural en el cine. Incluso grandes como Lawrence Olivier tuvieron este problema al principio. Estaba actuando de manera exagerada, tocando para una “fila de atrás” imaginada en el teatro. Pero la cámara de cine capta todo y acerca a todos. Olvidé qué director era y el actor en cuestión probablemente no era Olivier (aunque podría haber sido), pero en cada toma el director pedía “menos. Dame menos”. Finalmente, el exasperado actor gritó: “¿Qué quieres? ¿No actuar en absoluto?” “¡Si!” exclamó el director. “¡Eso es! ¡No actúes!”

Kubrick supuestamente haría una cantidad increíble de tomas, a veces de algo tan simple como un actor cruzando la calle. Finalmente, tal vez alrededor de 50 o más, obtendría lo que quería: el actor cruzando la calle como si hubiera cruzado esa calle cientos de veces antes. En otras palabras, sin pensar en cruzarlo. Al igual que una persona normal cruzando una calle: no pensamos en ser filmados y lo hacemos sin pensarlo.

Un último punto tiene que ver con cómo los directores bloquean las escenas. Muchos directores modernos, incluidos algunos grandes, tienden a pensar en los disparos en su cabeza y llevar esos disparos al escenario. Esto puede obligar a los actores a ajustarse a una visión preexistente que puede terminar pareciendo poco natural y artificial si todos los involucrados no tienen mucha experiencia. Lo ideal es un intercambio entre actor y director que generalmente tiene lugar justo antes de que se ilumine una escena. Deje que los actores encuentren el bloqueo que les parezca más natural. El director podría sugerir “hacerlo por la ventana” o algo para hacer que la toma sea más cinematográfica. Por supuesto, debe tenerse en cuenta que los muy buenos actores también pueden hacer que incluso el bloqueo artificial funcione. De alguna manera, pueden hacer que algo completamente antinatural se vea natural y lleno de vida. Pero es mucho mejor si el actor es libre de trabajar como le gusta: encontrar algo que se sienta natural y orgánico y que sea parte del personaje que está interpretando.

Answer 16

Golpearlos.

Es una broma. No hagas eso. La mejor manera de hacerlo es recordarles a los actores que pueden confiar en sí mismos y no presionarlos. Permítales el espacio que necesitan para conectarse con las circunstancias dadas. Concéntrese en la relación y pretenda hacer lo que sea que estén haciendo como si fuera la vida real.

Tus actores deben sentirse cómodos frente a la cámara. Cualquier cosa que pueda hacer para ayudar a aliviar la presión, mejor. Lo último que un actor quiere escuchar es “ser asombroso o de lo contrario ser despedido”. Bueno, algunos actores responden a eso, pero la mayoría no lo hará. También trate de ser lo más paciente posible con sus actores. En algún momento, solo se necesita repetir, y hacer la escena varias veces antes de que lo hagan bien. Es como el béisbol, a veces es un swing y una falta antes de que finalmente te conectes.

Ayudar a revisar el diálogo para que se adapte un poco mejor al actor, y también permitir que un actor pruebe diferentes cosas durante una escena puede tener excelentes resultados. Hay una escena en On the Waterfront donde Brando está hablando con alguien y está sosteniendo un guante, y está jugando con las yemas de los dedos del guante. No decimos “guau, guante bonito”. Pensamos, aquí hay una persona real. A veces la gente hace eso. Estarán jugando con algo mientras te escuchan hablar. No todo el mundo estará completamente conectado con su compañero de escena cada segundo, y si lo están, es una actuación terrible. Demasiados programas de teatro universitario les dicen a los niños que hagan esto, y lo llaman “escuchar”, no lo es. Simplemente permita que su compañero de escena explore la escena.

Answer 17

Tienes que ayudar al actor a entrar en el personaje. Esto se puede hacer de varias maneras, que incluyen hacer que el set se sienta como el entorno real de la historia, limitar la conversación distraída y asegurarse de que el actor esté al tanto de la motivación del personaje en cualquier escena dada.

Creo que el Director puede hacer esto mejor enmarcando la escena con el PERSONAJE como si el actor no estuviera presente, porque el trabajo es canalizar al personaje y sacar al actor de allí tanto como sea posible.

Mark W Travis tiene una técnica que hace exactamente esto:

Answer 18

No sobre-dirigir. Permita que los actores tengan libertad de acción para moverse por el set desde el principio para obtener el bloqueo. En el momento en que el director les dice a dónde ir, comienzan a preocuparse por dar en el blanco y no por decir las palabras que deben decirse. Tu trabajo como director es sacar el mejor rendimiento del actor. Si estás diciendo “Está bien, entras aquí y en este momento te sientas y te giras hacia la ventana y cuando él dice esto, saltas y te acercas al armario …” van a pensar demasiado. sobre las señales sobre cuándo moverse. Permítales ensayar la escena varias veces y ver a dónde van, naturalmente. Quizás sea mejor de lo que tienes en mente.

Answer 19

Tienes algunas buenas respuestas aquí, pero te voy a sugerir algo diferente:

Reparto de un actor que se mueve naturalmente.

A los buenos directores les gusta decir que una gran actuación es un 90% de casting. Lanzar a alguien con la esperanza de que puedas convertirlo en el actor que deseas tiene casi la misma posibilidad de éxito que casarse con alguien con la esperanza de convertirlo en el cónyuge que deseas. Es posible que pueda lograrlo, pero sería mucho mejor encontrar a alguien que cumpla con los requisitos en primer lugar.

Answer 20

Una cosa que el director David Finches hace es pedir al menos 20 tomas para escenas simples. Lo hace para que la acción de backgrour (como caminar, sentarse e interactuar con los objetos) sea natural, para que los actores puedan concentrarse en sus líneas.

El problema con eso es que cuesta mucho dinero. Si eres David Fincher puedes permitirte el lujo.

La mejor manera de mejorar eso es escuchar antes de disparar.