Acto de clase … una escena de la versión cinematográfica de 1968 de Planet of the Apes, protagonizada por Charlton Heston.
10. El planeta de los simios
- ¿Cuál es la diferencia entre The Shining (la adaptación cinematográfica de Stanley Kubrick) y The Shining (la novela de Steven King)?
- ¿Qué podemos aprender de Harry Potter?
- ¿Es una comunidad similar a The Giver plausible en el futuro cercano?
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Aunque la novela fuente, La Planète des Singes, fue escrita por el francés Pierre Boule y originalmente alcanzó su clímax de choque futuro en París, esta fantasía de ciencia ficción perdurable es profundamente estadounidense, dando un uso increíble al patriotismo de Charlton Heston. También se sostiene sorprendentemente bien como una alegoría discordante por los temores de la población sobre las crecientes tensiones de la guerra fría.
Comenzando con un aterrizaje forzoso de una nave espacial en un planeta desconocido después de años de sueño criogénico, la película de Franklin J Schaffner pronto se pone en marcha cuando el gran astronauta de Heston, Taylor, es perseguido y capturado por una tropa de gorilas a caballo. Guardado para fines de “investigación”, Heston es llevado a una ciudad gobernada por simios. Afortunadamente para nosotros, el productor Arthur P. Jacobs se resistió a la visión épica y futurista del futuro de Boulle por razones presupuestarias, y su pellizco de centavo seguramente evitó que la película saliera al instante. Todavía hay algo de Hippy Age-of-Acuario florece en los trajes de los simios, pero la arquitectura primitiva, en algún lugar entre griego y romano, anticipa ominosamente el giro asesino de la película, que surgió no tanto de Boulle sino de Rod Serling de la Zona Crepuscular, que refinó el guión de rodaje.
Curiosamente, para una película basada en una sola idea, es la suma de sus partes lo que la hace tan atemporal, principalmente el misterioso y orgánico puntaje de Jerry Goldsmith, mientras que el elenco hace un trabajo fácil para garantizar que los simios sean a la vez terroríficos y, en el caso en Kim Hunter y Roddy McDowall como Zira y Cornelius, increíblemente comprensivos. Para esto es crucial el asombroso maquillaje de la película, tan adelantado a su tiempo que el artista protésico John Chambers tuvo que arreglárselas con un premio honorífico en los Oscar de ese año ya que los efectos especiales aún no se consideraban dignos de una categoría. Afortunadamente, su trabajo era tan bueno que no tuvo que esperar mucho tiempo para otro trabajo, y un nuevo empleador agradecido lo llamó rápidamente: la CIA. (Sí, ese es él como suplantado por John Goodman en Argo).
9. El ídolo caído
RALPH RICHARDSON Y BOBBY HENREY EN TODAVÍA DE LA PELÍCULA EL ÍDOLO CAÍDO (REINO UNIDO 1948) BRITISH LION FILM CORP Fotografía: Archivo Ronald Grant
Graham Greene fue a su tumba justificadamente decepcionado por las muchas adaptaciones cinematográficas derivadas de sus novelas. The Comedians, The Honorary Consul, The Human Factor, las primeras adaptaciones de The Quiet American y The End of the Affair: todas se quedaron cortas o traicionaron activamente sus novelas originales. Uno de los enigmas fascinantes de la carrera de Greene es que este antiguo crítico de cine muy perspicaz, guionista y autor de tantas novelas apodado “cinemático” debería haber sufrido tanto a manos de los cineastas, particularmente en Hollywood.
Las pocas películas exitosas de su trabajo tendieron a ser adaptadas por el propio Greene y / o hechas en Gran Bretaña: Brighton Rock de John Boulting, Went the Day Well de Alberto Cavalcanti? y The Fallen Idol, invisible desde hace mucho tiempo, que Greene y la directora Carol Reed hicieron en 1948, un par de años antes de embarcarse en el éxito mundial que fue The Third Man. Adaptado libremente de la historia de Greene de 1935, The Basement Room, The Fallen Idol sigue a Philippe (Bobby Henrey), el hijo de 7 años del embajador francés en Londres, que se topa con el asunto adúltero entre el ayuda de cámara de su padre Baines (Ralph Richardson). el objeto epónimo de su adoración, y Julie, una secretaria de la embajada (Michele Morgan).
Tan embarazada de secretos y mentiras como cualquiera de las historias de espías de Greene, The Fallen Idol es también una de las grandes películas sobre inocencia infantil violada accidentalmente por adultos, evocando el ídolo literario de Greene Henry James What Maisie Knew, y pasando a The Hart Hart de LP. Go-Between (cuya adaptación de 1970 de Joseph Losey es una de las mejores películas de su época). Reed, un cineasta a menudo inconsistente, maneja la mecánica brutal de la trama magníficamente, con los interiores de mármol de la embajada contrastando fuertemente con sus tomas al aire libre casi neorrealistas de la Londres de posguerra.
8. El largo adiós
Elliott Gould en El largo adiós.
Robert Altman desarrolló su versión de The Long Goodbye como la historia de “Rip van Marlowe”, lo que sucede cuando la polla privada de la década de 1940 cae en un Los Ángeles de la década de 1970 que apenas reconocería como su hogar. En lugar de Humphrey Bogart de The Big Sleep, ahora es Elliott Gould, desabrochado y de pelo caído. En lugar de tratar con mujeres de lengua afilada con rizos de alfiler y hombreras, está trabajando para una ama de casa de Malibu con un gran vestido de sol y pies descalzos. Al actualizar el entorno de Marlowe pero no su personalidad, Altman reinventa al hombre para la década de 1970, un detective cuyo ingenio y habilidades no pueden ser disminuidos por un mundo mucho más corrupto que él.
Altman y la guionista Leigh Brackett se toman inmensas libertades con la novela original de Raymond Chandler, inventando personajes completos (como el cruel Marty Augustine) y eliminando a los principales, como el padre multimillonario de Sylvia Lennox. Aunque Altman y Brackett toman prestada la estructura básica de la novela, The Long Goodbye es esencialmente un riff en todo el trabajo de Chandler y su influencia en la película. Es un noir revisionista que logra incorporar uno de los íconos más grandes del género en su esquema, al tiempo que critica y revierte al querido detective privado.
Marlowe está fuera de sintonía con su entorno, arrastrando los pies por su edificio de apartamentos de la era espacial y murmurando a las chicas hippies que hacen yoga al lado. Pero sigue siendo el héroe, el único hombre que se preocupa lo suficiente como para darle a Terry Lennox la justicia que se merece, el tipo que se encoge de hombros ante un violento gángster para seguir buscando a su gato desaparecido. El mundo se ha vuelto más loco de lo que Chandler alguna vez imaginó, pero Marlowe demuestra que puede soportar la prueba más difícil del tiempo, y nunca tiene que dejar sus cigarrillos o su Lincoln Continental de 1948 para hacerlo. Katey Rich
7. Lolita
James Mason y Sue Lyon en la película de Lolita (1962) de Stanley Kubrick. sin saber cuántos problemas le iba a meter, con varios cuerpos de censura y grupos de presión religiosa, nunca habría hecho a Lolita. Dice algo sobre nuestro mundo cambiante que, a pesar de que la censura se ha relajado mucho en los últimos 51 años, la novela de Vladimir Nabokov ahora se consideraría más allá de los límites que nunca. De hecho, es bastante increíble que uno de los pocos compromisos que Kubrick tuvo que hacer fue elevar la edad de su joven heroína de los 12 años y medio de Nabokov a los 14 más permisibles.
Pero si parece sorprendente que la policía pensante haya dejado sola la película de Kubrick en este mundo nervioso después de Yewtree, en retrospectiva, Lolita parece sorprendentemente a prueba de futuro. Aunque se identificó principalmente como un director de películas geniales e independientes, Kubrick también tenía un rico sentido del ingenio oscuro y sardónico, y los elementos cómicos secos de Lolita aseguran que la película no pueda ser malinterpretada. Insinuando el amplio humor que se derramaría en el Dr. Strangelove y A Clockwork Orange, la Lolita de Kubrick se lee mejor como una sátira del deseo masculino, con el personaje principal de Sue Lyon convirtiéndose en el foco de la lamentable crisis de la mediana edad de Humbert Humbert.
Como Humbert, los tonos musicales y gentrificados de James Mason contribuyen en gran medida a garantizar que la película conserve algo de decoro, incluso mientras el profesor enamorado pasa por un matrimonio falso con la madre viuda de la niña (una actuación en el campo muy bien contrastada de Shelley Winters). Pero el destacado es quizás un papel pequeño pero fundamental de Peter Sellers como el enemigo de Humbert, el camaleónico Quilty, un dramaturgo de mala calidad que también compite por el afecto de Lolita. Aunque a menudo se lo ve como un precursor de las múltiples partes interpretadas en el Dr. Strangelove, el turno de Sellers aquí es un recordatorio de su verdadero potencial, que pronto será absorbido por una corriente de películas de Pink Panther cada vez más horribles. DW
6. Necesitamos hablar sobre Kevin
‘Valientemente ingrata’: Tilda Swinton y Jasper Newell en Necesitamos hablar sobre Kevin.
En la adaptación meticulosamente controlada de Lynne Ramsay de la novela de Lionel Shriver, solo vislumbramos la extraña gota de sangre. Es un gran logro dado que el evento fundamental es una masacre en la escuela secundaria. Habiendo resuelto no mostrar lo que sucede cuando Kevin (Ezra Miller), de 15 años, comienza a molestar a sus compañeros de escuela con una ballesta, Ramsay acosa su película con horrores indirectos y sustos. La pintura roja se usa en ataques de venganza contra la madre de Kevin, Eva (Tilda Swinton). Los juerguistas cubiertos de pulpa de tomate en el festival español La Tomatina representan a las víctimas de la masacre. El rojo está en todas partes. Una toma incluso muestra a Eva bebiendo clarete mientras un oso de peluche rojo yace boca abajo en desesperación exasperada.
Los lectores de la novela de Shriver se habrán dividido entre aquellos que vieron al personaje como un monstruo sin complicaciones y aquellos que desconfiaron del control de la narración por parte de su madre. Es esta tensión la que la imagen explota hábilmente: el guión de Ramsay prescinde del formato del libro, que se estructuró como una serie de cartas de Eva a su esposo Franklin, y con la cronología misma. Además, la película está emitida por expertos. Swinton es físicamente afilada y ágil, se mueve como si tuviera hojas de tijera en lugar de huesos debajo de la piel. Esto le da un parentesco no con el pastoso John C Reilly, como Franklin, sino con Miller como Kevin. Ambos actores tienen horquillas de cabello negro y perfiles angulares y andróginos; al menos una secuencia intercala sus caras para sugerir que los personajes son intercambiables.
Ramsay ha hecho una adaptación sorprendentemente lúdica invocando gestos de películas de terror en un momento, y luego nos la empapa al siguiente con secuencias de bravura. Entre ellos se encuentra el punto alto de Diane Arbus-esque: un viaje nocturno a través de los suburbios de Hallowe’en donde los enmascarados trick-or-treaters se tambalean en las ventanas del automóvil. Ryan Gilbey
5. Ivansxtc
No hay comercialización. Solo para uso editorial. Sin uso de portada de libro. Crédito obligatorio: Foto de la Colección Moviestore / REX (1578516a) Ivansxtc, Danny Huston Cine y Televisión TELEVISIÓN PELÍCULA IVANSXTC DANNY HUSTON Fotogramas de la película Personalidad 12234543 Fotografía: Colección Moviestore / REX
Leo Tolstoi y Bernard Rose regresan. El director británico una vez fue excluido de la suite de edición donde se estaba masacrando su adaptación de Anna Karenina. Quizás es una especie de venganza que Rose luego tomó otro trabajo de Tolstoi, La muerte de Ivan Ilich, y lo hizo decididamente a su manera. Ivansxtc (pronunciado “Éxtasis de Ivan”), la primera de las cuatro adaptaciones de Tolstoy de bajo presupuesto que Rose filmó en video digital de alta definición, habla del agente hedonista de Hollywood Ivan Beckman (Danny Huston), un sabelotodo que no lo hace incluso conocerse a sí mismo. “Trazo la línea justo”, dice solemnemente cuando habla de su hábito. Un momento después, cambia de opinión. “Tal vez lo intente. ¡Smack es genial!” Una inspiración fue el antiguo agente de Rose, Jay Moloney, que se traficaba con ruedas, que se ahorcó tres años después de ser despedido del poderoso CAA.
La muerte eventual de Ivan es de cáncer de pulmón. Pero como corresponde a una película inspirada en Tolstoi, el verdadero malestar de Ivan no es físico sino espiritual. Este es un mundo de limusinas estiradas más largas que la costa de California, y líneas de cocaína más largas que las limusinas estiradas. Los personajes, incluido un cineasta que asiste al funeral de Ivan porque es la única forma en que puede acorralar al agente que ha estado esquivando sus llamadas, están completamente formados y observados con atención. Como Don West, una superestrella de la lista A con un apetito sexual vampírico, Peter Weller se enfoca en la sordidez. Es más escalofriantemente robótico que nunca en RoboCop: al menos en esa película se podía sentir la humanidad detrás de la cáscara de metal. Rose no empuja el punto, pero West podría ser una metáfora del propio Hollywood, ¿West como en West Coast, tal vez? No hay nada detrás del deseo carnívoro de este demonio, sino más deseo carnívoro. En la película de Rose, por otro lado, puedes sentir lástima, asco y compasión. RG
4. Adaptación
El guionista Charlie Kaufman (Nicolas Cage) desarrolla un caso serio de bloqueo del escritor en la comedia Adaptation. Fotografía: AP
A finales de la década de 1990, Charlie Kaufman recibió el encargo de escribir una adaptación de The Orchard Thief, un libro de no ficción de Susan Orlean. Pero Kaufman fue bloqueado, no pudo encontrar el camino y, por lo tanto, rompió su borrador y escribió Adaptación. Se escribió a sí mismo como la estrella, inventó un hermano ficticio llamado Donald y luego, magnánimamente, encontró un papel secundario para Orlean como una especie de Lady Macbeth lujuriosa que resopla narcóticos, duerme con sus súbditos y planea la muerte sangrienta de sus enemigos. Orlean hojeó el guión en un estado de creciente confusión. “La idea de ser retratada como un desastre de narcotráfico simplemente no cuadró conmigo”, admitiría más tarde.
La adaptación no cuadra particularmente con nada y eso es lo que la hace genial. Es un acto de Houdini, una hazaña de escapología; Una teoría de estilo libre sobre el proceso creativo en el que la evitación y la lucha se convierten en la historia misma. Ayuda, por supuesto, que la película sea tan divertida como autorreferencial. Kaufman elige astutamente pinchar la postura angustiada de Charlie al hacer que Donald castigue en un thriller de basura llamado The Three en el que un asesino en serie que sufre de un trastorno de personalidad múltiple termina efectivamente persiguiéndose. Naturalmente, Charlie está disgustado; él quiere tomar el camino alto. Pero su propio guión no va a ninguna parte y se pierde en el pantano. ¿Adaptación pierde su camino en estos frenéticos momentos finales, cuando los autos se voltean, los caimanes se reúnen y el conteo de cadáveres aumenta? Enfáticamente no, es todo una pieza, el último truco de magia. Cuando Charlie no puede cerrar su historia, le toca a Donald lanzarse a la mezcla y enviarnos con una explosión. Xan Brooks
3. Brokeback Mountain
Secreto en la montaña
Ennis Del Mar y Jack Twist son un par de vaqueros de flecha recta que toman un trabajo pastoreando ovejas y tienen relaciones sexuales en la ladera cuando se pone el sol. Jack y Ennis se aman y quieren estar juntos, pero no pueden admitir esto porque su amor es impensable. Más tarde, ambos se casarán y tendrán hijos y llevarán vidas convencionales que de alguna manera se sentirán tensas y falsas. La montaña Brokeback fue un sueño, aunque brilla más que la realidad que sigue.
El romance de Ang Lee en 2005 está protagonizado por Heath Ledger y Jake Gyllenhaal, mientras que el guión ganador del Oscar fue escrito por Diana Ossana y Larry McMurtry. Se basa en una historia corta de E Annie Proulx, esbelta y sincera, una historia que cubre el terreno con los pasos más ligeros. La película tiene el mismo espíritu, el mismo anhelo, la misma amplitud de visión hermosa. Esboza la vida útil de dos hombres, vividos en gran parte en las sombras. En su estreno teatral, Brokeback Mountain se vio a sí mismo como “la película gay de vaqueros”, aunque desde entonces el debate se ha centrado en su verdadera orientación. Algunos críticos argumentaron que los personajes serían mejor descritos como bisexuales, en el límite, con Ennis sombreando a la derecha y Jack Twist inclinándose a la izquierda. Pero no estoy seguro de que importe. Brokeback Mountain puede elevarse por encima de tales etiquetas, incluso cuando sus personajes se contraen, luchan y se sienten encarcelados por ellos. Es una película sobre el amor que libera y el miedo que inhibe, y sobre ese verano dorado que galopa en el pasado. XB
2. El conformista
Jean-Louis Trintignant (como asesino fascista) y Stefania Sandrelli en The Conformist. Fotografía: Allstar / Cinetext / MARAN FILM
Su reputación ha retrocedido en el horizonte desde su muerte en 1990, pero en su día Alberto Moravia fue un novelista europeo intelectual por excelencia, patrullando las líneas morales a lo largo de las cuales la política, que para él significaba fascismo, clase, particularmente la burguesía ociosa de la que provenía. , la religión y el comportamiento sexual transgresor se cruzan, a un gran costo para sus personajes. Muchas de sus novelas fueron bestsellers internacionales, y varias fueron adaptadas por directores de renombre. Estos incluyeron Two Women de Vittorio da Sica, Contempt by Godard y Boredom, adaptado por Damiano Damiani en 1962, y rehecho por Cedric Kahn en 1998.
Pero la adaptación de Bernardo Bertolucci de la novela de Moravia de 1951 Il Conformista se destaca por encima de todos ellos como un logro duradero en el cine internacional y como el pináculo de la carrera de Bertolucci. Su relato de las neurosis y el odio a sí mismo de un posible fascista sexualmente confundido (Jean-Louis Trintignant) ansioso por encajar en 1938 Roma, que es enviado a París para asesinar a su ex profesor universitario antifascista, se consideró un instante clásico en lanzamiento.
Fue, y es, un pináculo altamente audaz y estilísticamente aventurero del modernismo tardío, que se basa en la gama completa de la historia reciente de las películas italianas: un poco de neorrealismo, mucha mise-en-scène al estilo Antonioni. , algunos momentos que recuerdan a Fellini. Y todo estaba enmarcado en una evocación del estilo frívolo de hacer películas de la era fascista, ridiculizado por la generación de Bertolucci como el cine “teléfono blanco”. Agregue una dosis de confusión sexual poco saludable y desnudez en abundancia, y no es sorprendente que haya sido uno de los éxitos internacionales del año.
Ciertas secuencias perduran en la memoria: el brutal asesinato del profesor en un bosque nevado; el manicomio completamente blanco donde Clerici se encuentra con su padre loco; y una asombrosa secuencia de baile con Domininque Sanda y Stefania Sandrelli en (y fuera, y de vuelta en) un salón de baile de cristal (un anticipo de Last Tango) También ofreció el plan para la nueva ola de cineastas de Hollywood a un tipo diferente de cine y una hoja de ruta de nuevas posibilidades formales. JP
1. Alguien voló sobre el nido del cuco
Jack Nicholson como Randle McMurphy en One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975). Fotografía: Roland Grant Archive
Sonriendo y burlándose, el paciente psiquiátrico más problemático de la historia del cine, Randle “Mac” MacMurphy, agarra el cabezal de la ducha en la sala de la bañera y lo rocía como un cañón de agua anárquico. No está atacando a las enfermeras o los médicos, sino a sus compañeros pacientes, los que necesitan despertarse, los que consienten en ser pacientes prisioneros dóciles y que han hecho su propia cárcel.
One Flyw Over The Cuckoo’s Nest (1975) de Milos Foreman es una adaptación de Bo Goldman y Lawrence Hauben de la novela de 1962 de Ken Kesey, a través de una versión de Broadway de Dale Wasserman protagonizada un año después de la publicación del libro protagonizada por Kirk Douglas, cuyo hijo Michael produjo el posterior versión de la película y tuvo la difícil tarea de explicarle a Kirk que ahora quería a alguien más joven para la película.
Es una pesadilla contracultural que conserva su poder de conmoción. Quien no ha tenido la pesadilla o la fantasía masoquista de terminar de alguna manera equivocada en un hospital psiquiátrico y darse cuenta de que cada cosa de pánico que haría entonces (gritar, suplicar, enojarse, imitar desesperadamente los gestos de cordura que de otro modo vendrían naturalmente) sería de Por supuesto ser interpretado como una locura? ¿Y, con el tiempo, se volvería una locura?
Jack Nicholson interpreta a Mac, un alborotador nacido en la naturaleza que hace tiempo para la violación legal. (“Tenía 15 años, cumplía 35 años”). Ha sido entregado a las autoridades psiquiátricas bajo sospecha de fingir locura para salir de la cárcel y entrar en un cómodo centro mental. Pero este lugar siniestro, con sus drogas, muzak, terapia de shock electroconvulsivo e intervención quirúrgica, es como la cárcel, pero peor. Una de las mujeres que Mac más tarde se cuela señala otro parecido deprimente: “¡Esto se parece a mi escuela secundaria!” Solo una persona loca fingiría estar loca para venir aquí. Demasiado tarde, Mac se da cuenta del Catch-22. A medida que Mac conoce a sus compañeros pacientes, incluido Martini, interpretado por un joven Danny DeVito y el Jefe Bromden (Will Sampson), un gran nativo americano que nunca habla, se convierte en su carga simbolizar la locura pura y la oposición salvajemente desafiante a la etiqueta de locura. .
Cuckoo’s Nest es muy similar a las películas de prisión como The Great Escape y Cool Hand Luke, o incluso películas militares como Full Metal Jacket; pero Mac no ha sido reclutado o encarcelado como tal. Se sorprende al darse cuenta de que es una de las pocas personas que realmente se ve obligada a estar allí: el resto son pacientes internos voluntarios que se han institucionalizado. Las películas de la prisión o de la guerra tienen lugar en un mundo de hombres sudorosos, pero estos tipos perturbados están rodeados de mujeres delicadas: enfermeras, en particular la simpática y jefa de enfermeras Ratched, interpretada por Louise Fletcher: una sacerdotisa de lengua afilada que distribuye drogas tranquilizantes en una especie de Ceremonia de comunión. De hecho, ella no es la sádica bidimensional de la reputación. En una conferencia médica, se muestra a Ratched discutiendo el caso de Mac con lo que parece ser interés y compasión. Es ella quien, fatídicamente, le dice al director del hospital que debe permanecer en el hospital y no regresar a prisión como un falsificador. Pero, ¿se debe simplemente a su insidiosa necesidad clínica de someter y reprimir?
Desde el principio, Mac coquetea con las agujas y la Enfermera Ratched; él desafía su autoridad. Organiza sesiones de baloncesto, exige tiempo fuera de la terapia grupal para ver deportes en la televisión; es alegre Mac quien mejora la moral de los pacientes e incluso (brevemente) cura el tartamudeo de un niño gentil y vulnerable al acostarlo. No es simplemente que Mac sea la única persona cuerda en un mundo de locura. Es el único médico que funciona.
¿Pero Mac pretendía estar loco en cualquier caso? El Nido del Cuco surgió en un momento en que las teorías antipsiquiatría de RD Laing eran actuales. Mac señala a un paciente y grita: “¡No estás más loco que el imbécil promedio que camina por la calle!” a lo que la enfermera Ratched responde fríamente: “Una observación muy desafiante”. La academia angloamericana estaba absorbiendo las obras de Michel Foucault, quien argumentó que las cárceles, los asilos y los hospitales fueron construidos por la necesidad punitiva de vigilancia y control de Occidente, todo en nombre del racionalismo. De hecho, Foucault comparó los hospitales penitenciarios de la Ilustración con un mundo medieval en el que los locos deambulaban tan libremente como en la sátira Ship of Fools del siglo XV de Sebastian Brant. Es muy parecido a la alegre expedición de pesca que Mac organiza para sus nuevos amigos robando un bote y navegando en un espíritu de carnaval con su loca tripulación, e incluso atrapando triunfalmente algunos peces, antes de que todos sean atrapados y llevados de vuelta al interior. Antes de eso, Mac había pellizcado un autobús y conducido a sus discípulos en eso, muy parecido al propio Ken Kesey y a sus felices bromistas en el Magic Bus de los 60, inmortalizado en la prueba de ácido de Kool-Aid de Tom Wolfe.
En la última película de Foreman, Amadeus, el manicomio era un miserable lugar de desesperación, presidido por Salieri, que se odiaba a sí mismo, que cantaba desde su silla de ruedas: “Mediocridades en todas partes … te absuelvo … te absuelvo …” Pero eso no es exactamente cómo Foreman ve el hospital aquí. Los culpables no son los pacientes, sino los malvados tontos de los tribunales y el establecimiento médico, más culpables incluso que el pobre Enfermero Ratched, cuyo propio rencor es una falla simple y bastante humana de ejercer el control después de que Mac organiza una fiesta caótica.
Esta película no es una película de terror o una fantasía gótica, aunque con su espeluznante esquema de color de paredes blancas y su siniestra calma sin efecto, tiene el aspecto de una ciencia ficción futurista. A pesar de sus tendencias ocasionales y verbosas, es convincente y absorbente, y tiene una base objetiva. Después de todo, a Rose Kennedy, hermana de John F. Kennedy, le hicieron una lobotomía a la edad de 23 años porque su padre Joe decidió que su comportamiento era inestable. ¿Estaba solo enérgica? ¿Rebelde? ¿Quién sabe? One Flew Over the Cuckoo’s Nest es una película mordiente, dolorosa e intensamente subversiva
2. La redención de Shawshank (1994) – por Stephen King 
6. El prestigio (2006) – por Christopher Priest