¿Cuáles son buenos criterios para evaluar la calidad de una obra de arte?

Answer 1

Experiencia visual

En el arte visual, la apariencia visual de algo es extremadamente importante. Tenemos una palabra para esto; Se llama composición . En lo que respecta a la habilidad o la técnica, la composición es lo más importante para dominar.

Luca Pacioli, contemporáneo de Da Vinci dijo,

Sin las matemáticas no hay arte.

Es por eso que hay dos reglas muy importantes que pueden actuar como sugerencias para crear un trabajo visualmente fuerte. creando un punto focal fuerte y también mejorando la experiencia visual: la regla de oro de los tercios y la proporción de oro.

La regla de oro de los tercios requiere que uno divida una superficie o plano en tres secciones horizontal y verticalmente y coloque los puntos focales, primarios o secundarios, en las intersecciones. Así es como se ve:

La proporción áurea o la “proporción divina” se refiere a Phi. Veamos qué es Phi.

Divide algo de tal manera que la razón de la longitud de la línea completa (A) a la longitud del segmento de línea más grande (B) es la misma que la razón de la longitud del segmento de línea más grande (B)
a la longitud del segmento de línea más pequeño (C).

Esto sucede solo en el punto donde A es 1.618 … veces B y B es 1.618 … veces C.

Si sigues dividiendo un plano bidimensional usando esta relación, terminas con una espiral como esta:

Se dice que Da Vinci usó esta proporción en cada obra maestra. De todos modos, eso era mucha matemática. Mis disculpas. Básicamente, la proporción es 1: 1.618. Permítanme mostrar ahora el uso de la proporción áurea en el arte visual utilizando una fotografía:

Personalmente, mi opinión es que probablemente no lo necesitará a menos que sea un trabajo centrado centralmente como esta imagen del caballo (mire cómo los ojos caen en la línea y un ojo está en la intersección, el oído también cae en la línea). Un punto focal fuerte (o puntos focales múltiples) colocado correctamente es crucial para una buena composición. La regla de oro de los tercios será suficiente para que navegues bastante bien con obras asimétricas. Si es un trabajo simétrico o tiene el tema en el centro del trabajo, entonces debe usar la proporción áurea para organizar los temas y determinar un enfoque. Además, personalmente creo que los horizontes están mejor ubicados usando esto que la regla de los tercios.

El trabajo de Botticelli, “La Anunciación”, “Mona Lisa” de Da Vinci y “La creación de Adán” de Miguel Ángel, muestran el uso de la proporción áurea.

Los artistas no siempre calculan mucho; Si alguien es un buen compositor, esta relación se manifestará inconscientemente en su trabajo, ya que esta relación es lo que hace que las cosas “se vean” bien para nosotros. Así es como funciona nuestra visión. Estas son simplemente pautas que ayudan a crear una experiencia visual fenomenal. La proporción áurea aparece repetidamente en la naturaleza también. De ahí el nombre ‘Proporción Divina’.

Esto se aplica principalmente a representaciones bidimensionales, aunque a veces también puede hacer que un trabajo tridimensional o una instalación sea muy exitosa. Sin embargo, los criterios más importantes para juzgar visualmente una obra de arte son los elementos y principios del diseño. Los elementos de diseño incluyen línea, forma, color, textura, tamaño, etc. Los principios de diseño incluyen equilibrio, contraste, armonía, unidad, repetición, movimiento, etc. Cuanto más hábil sea un artista, mejor usará estos.

No puedo explicar cada elemento y principio de diseño en esta respuesta (¡se convertirá en un libro!). Permítanme usar un elemento como ejemplo: las diagonales. ¿Están bien colocadas las diagonales (también llamadas ejes)?

Este tipo de tecnicismo en la evaluación del arte da foco a la forma. Hay otro criterio extremadamente importante para juzgar el arte: la experiencia emocional e intelectual que ofrece .

Es por eso que ha habido dos movimientos en el arte a través de la eternidad: la disputa entre los formalistas y los conceptualistas. Uno le da importancia primordial a la apariencia de un trabajo y el otro le da importancia primordial a cómo un trabajo le afecta emocional e intelectualmente. Personalmente, siento que tanto la experiencia visual como la experiencia emocional / intelectual están profundamente entrelazadas entre sí y tratar de separarlas en dos es como tratar de separar la leche y su blancura o azúcar y su dulzura. No puedes obtener una experiencia emocional o espiritual a través del arte que no pueda hacer magia a tus sentidos visuales. ¿Consíguelo?

La emoción es el corazón del arte, la forma es su cuerpo. El formalismo y el conceptualismo no pueden existir independientemente uno del otro. Uno puede ver un trabajo que no es realista o naturalista, sino más bien abstracto, pero que aún experimenta una emoción profunda.

El arte, mis buenos amigos, puede comenzar con las matemáticas. Pero va más allá. Un buen retrato no es aquel que captura cada lunar, arruga o abolladura. Es uno que puede capturar la esencia del individuo, ya sea a través del expresionismo abstracto o el naturalismo, realmente no importa. Cuando Marco Aurelio, el “rey filósofo”, fue esculpido durante su gobierno, se dice que su profundo viaje a su ser espiritual / filosófico ha sido capturado en los retratos; se ve claramente que no era el mismo hombre a los treinta y a los sesenta. Eso es retrato!

Pero la verdad es que todo esto puede llevarte tan lejos. En última instancia, es la experiencia interna que brinda una obra de arte la que determina cuán buena es. Nadie puede decirte qué es el “buen arte”. Sin crítico de arte, sin medios. Solo tú decides lo que te gusta y lo que no.

PD: Perdóname por las matemáticas por favor (no soy un experto en matemáticas aquí) y no dudes en sugerir correcciones.

Estoy abierto a comentarios o discusiones.

Answer 2

La pregunta original fue: “¿Qué hace que un buen arte?”

¡Un arte que viene del corazón y el alma del creador es un buen arte! Los artistas sienten la necesidad de crear, y eso es algo así como un dolor, bueno, en términos estándar, es el “dolor de parto” que experimenta cualquier creador. Ese momento de “tiempo” es muy crucial en la creación de un buen arte. Sin embargo, no soy artista, pero he observado esto en mi hija que es artista. Cuando obtiene ese “URGE”, crea magia en sus obras. Si su estado de ánimo está fuera de la fase creativa, simplemente no puede pintar nada valioso.

¡El arte es muy subjetivo! Puede ser lo que quieras que sea. Los críticos ignorantes señalarán muchos problemas, pero un verdadero buen arte es uno que es atractivo para el espectador. El arte es esencialmente la expresión de los pensamientos, emociones, mente, imaginación, creatividad y genialidad de los creadores. Mi conclusión es que todo lo que sea atractivo para el espectador puede ser un buen arte.

El estado de ánimo de una pintura está determinado por los colores elegidos en este momento, dependiendo del marco mental del artista.

Hoy puedo hablar hasta cierto punto el idioma de mi hija, “El lenguaje de su artista”

“Dama con la lámpara” (segunda imagen) Una de sus obras … necesita algo de pulido ya que está casi en la fase de venta ¡se creó en uno de esos momentos!

Ella hizo el pulido y retoques, salpicó algunos tonos más brillantes, así es como se ve ahora … también adorará la pared de otra persona ahora … ¡se vendió hoy!

Válido N p Ev

Answer 3

Otra forma de hacer la pregunta es: ‘¿Para qué sirve el arte? ¿Qué hace?’

Pero antes de continuar, debemos hacer la distinción entre propósitos intrínsecos y extrínsecos .

Los propósitos extrínsecos son aquellos que podrían aplicarse igualmente a actividades distintas al arte, por ejemplo, para ganar dinero, ganar fama y elogios, o (en el caso de la escultura de la tumba china antigua) para ayudar a la persona recientemente muerta en la otra vida).

Los propósitos intrínsecos son aquellos que son, bueno … intrínsecos al arte. Este será nuestro enfoque de aquí en adelante.

Después de leer y escuchar muchas respuestas diferentes a esta pregunta a lo largo de los años, me di cuenta de que tres conceptos se repiten: ese arte es para …
• crear objetos estéticamente agradables, o
• representando el mundo visible, o
• expresar emociones.
Además, los artistas a veces usan el arte para experimentar con nuevas formas de crear, representar o expresar.

De hecho, la mayoría de los artistas hacen los tres (o cuatro) al mismo tiempo. Sería casi imposible encontrar una obra de arte que no mostrara al menos una pequeña cantidad de …
▸ creación (incluso las obras de arte más “directamente documentales” y “salvajemente expresionistas” muestran cierto interés en cualidades formales como la composición),
▸ representación (incluso las obras de arte más “abstractas” tienen alguna base en el mundo visible) y
▸ expresión (incluso las obras de arte más “realistas” y “geniales” expresan algún tipo de estado emocional, incluso si es solo una delicia estética).

Para una respuesta más completa, vea ¿Qué es el arte? – Doctora Dada.

Answer 4

Me he estado haciendo esta pregunta casi continuamente desde que pude recoger un pincel por primera vez. Desde entonces, esta pregunta me ha llevado a estudiar Bellas Artes en la escuela, la universidad y el posgrado, y sin embargo, esta pregunta sigue intrigando y confundiéndome. Después de todo este aprendizaje, he llegado a la conclusión de que no hay una bala de plata cuando se trata de crítica artística; Los filósofos y artistas mucho más inteligentes que yo han intentado y no han podido encontrar una respuesta completa a esta pregunta.

Sin embargo, esto no significa que debamos abandonar todos los intentos de crítica artística, solo tenemos que aceptar que nuestras respuestas siempre serán deficientes en alguna forma o forma. Por ejemplo, me especializo en pintura, dibujo y escultura, por lo que no creo que los criterios que propongo a continuación se transfieran bien a un juicio de otros medios artísticos como la literatura o la danza. También es importante mencionar que el desarrollo de los propios juicios y gustos artísticos es un camino personal de descubrimiento que solo puede llevarse a cabo a través de un esfuerzo individual prolongado y construirse sobre sus propias experiencias personales.

Dicho esto, también creo firmemente que existen criterios objetivos para el juicio de las obras de arte, y a continuación sugiero tentativamente cinco criterios que creo que todas las grandes obras de arte deben poseer.

Sostengo que una gran obra de arte debe :

1. Operar tanto en el nivel de un niño como en el de un filósofo.

Las grandes obras de arte poseen la capacidad de resolver tanto las preocupaciones “estéticas” visuales-estéticas de la creación artística a la vez que plantean preguntas en relación con debates estéticos filosóficos y conceptuales más complejos. En términos más simples, las grandes obras de arte pueden operar con éxito en múltiples niveles de complejidad. Aunque este ejemplo puede ser controvertido, propongo que cualquier pintura de la serie ‘Death and Disaster’ de Andy Warhol pueda ilustrar esta habilidad única del gran arte. Los lienzos de Warhol utilizan procesos simples de serigrafía para resolver el problema visual de emular el aspecto de las imágenes de los periódicos dentro del dominio de la pintura, mientras que la incorporación de este proceso también plantea cuestiones más profundas de autoría artística, reproducibilidad y originalidad.

2. Encarnar su significado y no simplemente ilustrarlo

El pintor británico Francis Bacon comentó una vez que “Una forma ilustrativa le dice a través de la inteligencia inmediatamente de qué se trata la forma, mientras que una forma no ilustrativa funciona primero con la sensación y luego se filtra lentamente hacia el hecho”. Dentro de esta cita yace el concepto fundamental de encarnación sobre la mera ilustración; Las grandes obras de arte no ilustran simplemente un evento, son un evento en sí mismas. Este concepto puede ilustrarse mejor en las diferencias entre la pintura de John Singer Sargent ‘Spanish Dancer’ (a la izquierda) y la pintura de Jackson Pollock ‘No.31’ (a la derecha):

Aunque reducir cualquiera de las obras de arte al tema de la “danza” es un acto de simplificación general, hacerlo ayuda a comprender cómo una obra de arte puede ilustrar o encarnar su tema. La pintura de Sargent es una increíble descripción visual de un bailarín de flamenco español, sin embargo, diría que la pintura de Pollock puede considerarse “genial” precisamente porque no solo ilustra a un bailarín, sino que encarna la indexicalidad de bailar a través de las huellas pictóricas dejadas atrás después de hacerlo En términos de semiótica, la pintura de Sargent es un ícono de una bailarina, mientras que la pintura de Pollock funciona como un ícono (ya que una fotografía de una bailarina con una larga exposición produciría una masa de líneas borrosas y movimiento) y un índice de una bailarina simultaneamente.

3. Poseer la misma precisión y eficiencia de expresión que una ecuación física

El matemático Bertrand Russell creía que “las matemáticas, correctamente vistas, poseen no solo la verdad, sino también la belleza suprema: una belleza fría y austera, como la de la escultura … pero sublimemente pura y capaz de una perfección severa como solo el arte más grande puede mostrar “. Estoy seguro de que Russell estará de acuerdo conmigo cuando proponga lo contrario de su afirmación: que todas las grandes obras de arte poseen una eficiencia sublime de forma y economía de medios que imitan las mejores ecuaciones matemáticas. Con esto quiero decir que las grandes obras de arte prescinden de todos los detalles, procesos y formas extraños, produciendo una elegancia que oculta una profunda complejidad interna y un sutil rigor intelectual y conceptual.

Para aplicar este concepto a mi propia explicación, me quedaría con la declaración:

‘El gran arte se hace lo más simple posible, pero no más simple’

4. Revelar un aspecto de la experiencia o realidad que siempre ha estado presente pero que no se ha expresado.

Este es un concepto bastante confuso y, por lo tanto, es difícil de articular, excepto diciendo que las grandes obras de arte nos dejan con la clara sensación de que siempre se hicieron, o que siempre estaban destinadas a ser creadas. Sostengo que esto se debe a que revelan una profunda verdad subyacente a la experiencia que siempre estuvo presente, pero que aún no se había expresado en forma física. Por lo tanto, un componente integral de este requisito es la originalidad. Solo a través de la creación de una obra de arte original, una forma artística completamente nueva se encarna y se hace visible, y lo intangible se hace tangible. Un ejemplo de este fenómeno se puede encontrar de manera más convincente en las obras escultóricas de Rachel Whiteread:

Este trabajo titulado ‘Fantasma’ (1990) es el elenco del espacio dentro de una habitación individual de una casa victoriana inglesa (tenga en cuenta el inverso de una chimenea en la parte delantera de la obra). De una manera casi literal, la escultura de Rachel Whiteread hace visible lo invisible, y al hacerlo produce una obra de enorme poder, originalidad y claridad.

5. Enriquecer nuestra apreciación de la historia del arte, así como señalar su futuro

Toqué brevemente este tema antes cuando dije que el gran arte debe poseer rigor intelectual y conceptual. Lo que quiero decir con esto es que el gran arte siempre es plenamente consciente de su lugar dentro del alcance de la historia del arte, y de esta manera abarca y enriquece el pasado del arte al tiempo que sugiere vías fructíferas de exploración artística para el futuro. Es por esta razón que las grandes obras de arte solo pueden identificarse como tales en retrospectiva. Sobre este tema, se cita al artista Marcel Duchamp diciendo que “Millones de artistas crean; solo unos pocos son discutidos o aceptados por el espectador y muchos menos son consagrados por la posteridad “ . Estas obras son ‘consagradas por la posteridad’ , o en otras palabras que resisten el paso del tiempo, que creo que pueden calificarse de grandes obras de arte.

Quisiera terminar aclarando que de ninguna manera estoy afirmando que las obras de arte a las que me he referido en mi respuesta son grandes obras de arte, simplemente que son buenos ejemplos para ilustrar cada criterio respectivo.

Todo lo mejor,

Martin Abrams

Answer 5

Gracias Noah por el A2A.

Los objetivos del departamento curatorial son a menudo diferentes a los de los críticos de arte. Cuando trabajaba para el Museo de Arte de Springville, me di cuenta de cómo orientaban su colección permanente y sus espectáculos hacia los lugareños. Su objetivo es ayudar a los clientes, que a menudo no tienen experiencia en arte o historia del arte, a comprender y conectarse con el arte. Solo puedo suponer que los críticos de arte tienen ideas similares en mente.

Cada vez que evalúo el arte, considero la pieza en contexto, particularmente en el arte anterior al siglo XX. Creo que sería ingenuo descartar a Kirchner porque no se representa como un Bouguereau.

En las piezas contemporáneas, la mayoría de los artistas a menudo tienen un objetivo (el contemporáneo es principalmente el arte del siglo XXI). Algunos tienen como objetivo obtener una respuesta del espectador a través de un mensaje implícito o explícito. Es responsabilidad del crítico de arte evaluar cómo encaja una obra de arte en el contexto de la sociedad moderna. Si es un comentario social, ¿tiene sentido? ¿Qué medio usan para hacer ese punto, y es ese medio apropiado?

Para algunos artistas, el objetivo es simplemente crear algo hermoso, pero esto es complicado. Los holandeses eran maestros de los bodegones, pero estas obras de frutas y flores increíblemente bien representadas están llenas de simbolismo. Los hombres que consideramos los viejos maestros no solo crearon hermosas obras utilizando las reglas de la naturaleza, sino que a menudo tenían un mensaje. Lo más probable es que sus obras fueran utilizadas para propaganda. Entonces, al crear una hermosa pieza, ¿qué ha hecho el artista? ¿Han capturado nuestra humanidad? ¿Han logrado su objetivo?

No creo que los críticos de arte o los curadores tengan un estándar más grande que tú. El artista, el crítico, no tiene más poder para decir lo que una pieza significa para usted que usted, pero lo que una pieza significa para usted generalmente depende del contexto. Las piezas que nos hablan a menudo son las que resuenan con nosotros emocionalmente, ya sea a través de una experiencia o algo tan simple como el poder del color. Los críticos de arte y los curadores también juzgan una pieza en función del contexto, excepto que su contexto es más probable que sea historia del arte, experiencia y, lo más importante, sus patrocinadores.

Respondí esta pregunta asumiendo que su objetivo es evaluar una pieza en un museo o galería. Respondí una pregunta similar aquí: ¿Por qué mi composición de pintura no parece correcta? donde evalúo un trabajo en progreso. Crear y luego evaluar una obra de arte inspirada en la naturaleza tiene sus propias reglas e ideas a tener en cuenta.

Espero que esto ayude.

Answer 6

El arte es bastante subjetivo cuando lo mira la población en general. Lo que atrae a una persona puede no serlo para la siguiente.

Sin embargo, dentro del mundo del discurso crítico del arte, poblado de artistas, historiadores del arte, críticos y curadores, hay algunas preguntas generales que se utilizan para evaluar una obra de arte.

• ¿Qué tan bien sincretiza las preocupaciones dispares del mundo del arte, canaliza sus influencias históricas del arte y aporta una nueva forma única de ver el mundo? ¿Cuán bien cierra la brecha entre todo el trabajo que lo influenció y el contexto del futuro inmediato?
• De forma análoga a una semilla, ¿cuánto trabajo nuevo permite seguir esta obra de arte? ¿Abre nuevas puertas en la creación de arte o empuja los límites de la práctica actual para incluir nuevos tipos de trabajo?
• ¿Funciona en todos los géneros de una manera inteligente y elegante que conduce a resultados sorprendentes?

Answer 7

El buen arte es la mayoría del arte. Si estás tratando de hacer algo bello, generalmente hay belleza en él.

Un ejemplo de mal arte es el código de barras. Puede ser muy rápido escanear, pero la tecnología está alcanzando un estándar en el que nos estamos volviendo más rápidos al escanear formas más hermosas de identificar cosas y, por lo tanto, no deberíamos depender de este símbolo feo que tenemos en todas partes. En toda nuestra sociedad tenemos a estas personas aburridas que quieren símbolos feos como el código de barras cubierto con letreros, etiquetas, etc. Además de símbolos feos, estas personas aburridas quieren códigos de referencia feos en todo el lugar que no son relevantes para la vida. Trabajo como estadístico y veo muchos otros estadísticos que entienden el valor de los símbolos y códigos pero no entienden el valor de la belleza y la relevancia. Vivimos en un mundo donde muchas de estas personas aburridas están en posiciones de autoridad y, aunque hace 40 años, las limitaciones tecnológicas justificaban los beneficios organizativos del uso de símbolos feos como este, hoy estos argumentos no son tan relevantes.

Ha llegado el momento de que la gente diga “Feo no está organizado”. Podemos lograr mayores niveles de organización a través de la belleza ahora, ya que nuestra tecnología se ha desarrollado hasta esta etapa. No debemos ceder ante las personas aburridas y anticuadas que creen que necesitamos hacer que las cosas se vean más feas para estar más organizadas.

Answer 8

Esto es lo que hizo que estas obras de arte fueran buenas para MÍ, tal vez la mejor del mundo.
Eso fue hecho por mi don David, de 7 años. Le pedí un par de cuadros para mi cumpleaños, y él pintó uno a cada lado de un lienzo.

Entonces, decidió dejar de pintar. Punto final. No más..

Hasta su decimosexto cumpleaños, que parecía coincidir con el día del padre. Decidió, dijo, quería pintar de nuevo. Llevó su efectivo de cumpleaños a la tienda de artículos de arte en RIT. Lo gastó todo. Para mi mucho dinero. Él pintó esto:

Terminó la pintura, me la entregó y dijo: “Feliz día del padre, papá”. Luego se detuvo de nuevo. Lo hizo todo por mí.

RIT es el hogar de (solía llamarse la “Escuela de artesanos estadounidenses”. A UNA PERSONA, le dijeron que era un prodigio. Pero no le gustaba pintar, para él era “Sin esfuerzo”. Pero él sabía lo que esto significaba para mí. SIGNIFICA para mí.

¿Alguien quiere decirme que hay mejores pinturas en el mundo? Vamos, llevaremos esto afuera. :-))

Answer 9

Creo que el enlace de Christina hace un buen punto sobre los criterios “objetivos”. Este conjunto de criterios es útil para enseñar a los estudiantes sobre la gramática del arte, como el dibujo, la pintura u otras artes. Las academias aún utilizan tales criterios. No estoy en contra de eso. Yo mismo había enseñado tal método a través de mis profesores.

Sin embargo, en la obra de arte moderna, los criterios “objetivos” a menudo resultan inútiles, si no un obstáculo para comprender la obra de arte en sí. El papel del artista es desafiar los vocabularios de la tradición e intentar crear una revolución. Por lo tanto, la aplicación de tales criterios es la clave maestra incorrecta para decodificar muchas obras de arte modernas. Cada obra de arte nos enseña a ver la pintura con su propio conjunto de reglas y gramáticas. Hoy ensalzamos la virtud de William Turner, especialmente las pinturas ejecutadas después de 1839. Después de su partida de la academia, su estilo se había alejado de lo académico y se los consideraba indignos. La academia literalmente lo rechazó. Los críticos modernos tienden a juzgar el período anterior a 1838 de Turner como obras menores y las cosas que surgieron a partir de 1840 son sus verdaderas obras maestras. Cualquier espectador que intente imponer cualquier conjunto de criterios en Turner encontrará el resultado en insatisfacción y echará de menos por completo la cualidad caprichosa del inglés que define al pintor. El mismo argumento puede hacerse de Egon Schiele.

En literatura, se aplican las mismas reglas. No hay un conjunto de criterios para definir ciertas novelas destacadas como Ulises o Pale Fire o Infinite Jest. En cada novela, el universo es diferente y único.

PD: La Crítica del juicio de Kant debería estar en mi respuesta en respuesta larga. Uno no puede discutir criterios de arte sin el maestro alemán.

Answer 10

Esta es una pregunta interesante que podría abordarse con cócteles, cenas y algunos escoceses.
1. Ciertas obras de artistas y sus creadores han adquirido credibilidad y valor después de años de consenso por parte de ‘expertos’. Piensa en Rembrandt, Monet, etc.
2. Cínicamente, algunos expertos son impulsados ​​únicamente por el mercado. El arte después de todo es una mercancía. Y el valor de ese producto nunca es fijo, fluctúa en ambas direcciones. A veces, un artista puede caer en desgracia y sus precios de arte lo reflejarán.
3. Muchos de los historiadores del arte de hoy están siendo impulsados ​​por agendas sociales y políticas que los llevan a descartar o subvalorar los aspectos curatoriales de la evaluación de obras de arte que no logran avanzar en su agenda preconstruida. Como consecuencia, gran parte del trabajo pesado realizado en la evaluación, evaluación y autenticación de obras de arte ahora está en manos de empresas comerciales en lugar de arenas académicas que solían albergar estas conversaciones y especulaciones.
4. La bondad o la maldad de una obra de arte es esencialmente irrelevante. El trabajo contemporáneo se basa principalmente en el mercado y las obras de arte históricas, de cualquier precio significativo, se intercambian en gran medida entre un pequeño número de coleccionistas que compran más por el prestigio del momento que el compromiso estético real. Caso en cuestión: la hermana del emir de Qatar paga casi 300 millones por un tríptico de Francis Bacon.
5. Los profesionales en el campo, como en la mayoría de las áreas que dicen ser juzgados por expertos, son informados principalmente por la exposición. Montones. Y para eso no hay atajos.

Answer 11

No creo que todo sea subjetivo porque creo que Good Art es un arte que cumple con los objetivos e intenciones de los artistas y que Bad Art es un arte que no lo hace.

Los verdaderos artistas partieron con un propósito definido en mente. No solo comienzan a crear arte sin un destino, su arte es producto de una visión e idea. En mi opinión, si el arte cumple con sus intenciones, entonces es un éxito y puede considerarse un buen arte. Si no lo hace, falla y es un mal arte.

Es fácil detectar esto en el nivel más básico en bellas artes si su objetivo es una representación simple. Si alguien se propone pintar un retrato de La Reina y nadie puede saber quién es cuando se completa la pintura (“¿Donald Trump tal vez? ¿Se supone que son todos los Beatles al mismo tiempo?”) Entonces falla en intención. Es un mal arte. Si tu escultura de un alce no se parece en nada a un alce, entonces tu arte es malo.

Es más difícil cuantificar en el arte más abstracto cuando el artista intenta evocar un sentimiento o transmitir una idea en lugar de simplemente representar algo con cierto grado de precisión. ¿Picasso es buen arte? El consenso general es sí. ¿Son sus pinturas de personas una descripción precisa de cómo se ven? No, pero eso no los convierte en un mal arte porque eso no es lo que estaba tratando de lograr. Para decir si el arte moderno es malo o bueno, entramos en el oscuro mundo de intentar comprender lo que el artista pretende sentir realmente y si evoca ese sentimiento en todos, algunos o ninguno de los espectadores que lo ven.

En la realización de películas (que definitivamente es una forma de arte) es fácil determinar qué es un mal arte y qué no, porque las intenciones de los cineastas a menudo son claras y aparentes. Jaws es un buen arte porque cumple la visión de Spielberg. Quiere mostrar qué efecto tiene un ataque de tiburón en un pequeño grupo de personas. Quiere examinar cómo un monstruo que amenaza a una comunidad saca lo mejor y lo peor de tres hombres y la forma en que interactúan. También quiere mantener a la audiencia al borde de su asiento y de vez en cuando saltar de él con miedo. Lo logra bien, lo que hace de Jaws una buena obra de arte en mi mente.

Sin embargo, las secuelas de Jaws no logran lo que buscan lograr. Todos están tratando de asustar a la audiencia y mantenerlos en suspenso, pero son aburridos, sin vida y, a veces, involuntariamente hilarantes. No logran lo que se propusieron, por lo que son un mal arte.

La música es más difícil de cuantificar porque tiende a estar dirigida a un público específico. La mayoría de la música no está tratando de evocar una respuesta similar en todos porque el gusto musical es muy variado, por lo que trata de evocar una respuesta de un grupo objetivo particular. Todos estarían de acuerdo en que una Sinfonía de Beethoven es un buen arte, pero muchos discuten la idea de que el último álbum de una banda de death metal noruego tiene algún mérito artístico. Si bien nunca trataría de afirmar que usar un sombrero hecho de riñones para Satanás por The Devil’s Skull Humpers (con Umlauts gratuitos) es mejor que Beethoven, diría que porque fue escrito para un grupo muy selecto (fanáticos del Death metal ) tiene éxito o falla como una obra de arte basada únicamente en la respuesta de su público objetivo. Si tiene un grupo de adolescentes en camisetas negras golpeándose la cabeza y tocando el aire alegremente, entonces es un buen arte. Si piensan que apesta, entonces no lo es.

El buen arte logra el propósito de sus creadores, el mal arte no.

Answer 12

Gracias por la A2a. Para mí, pero no para todas las personas, dos criterios deben ser parte de una buena obra de arte, una buena idea y una buena técnica. El problema aquí es variado. ¿Cómo define una buena idea y cómo define una buena técnica? Hay algunas buenas bases, por ejemplo, al pintar una mala técnica sería un color turbio, un color que parece sucio. Pero más allá de un punto, es difícil determinar qué es bueno y qué es malo. Por ejemplo, vea esta pintura:

“Las señoritas de Avigñon”

En un período de la historia, esta pintura fue vista como una obra terrible, terrible en todos los aspectos, técnica, idea, etc. Ahora es una de las piezas de arte más importantes de toda la historia. ¿Qué te dice eso? Eso es muy relativo para decir si una obra de arte es buena o mala. Estoy de acuerdo en que hay algunas bases en la técnica especialmente, que deben cumplirse, pero como dije, hasta algún punto en el que tenga lugar la subjetividad y sea extremadamente difícil determinar algo. Mucha gente no estará de acuerdo. Conozco algunos que odian el arte posmoderno (algunos de ellos doctorados en artes), pero encuentro esa posición arcaica, del viejo mundo, una posición que parece no entender los cambios que ha tenido el arte. Puede que no te guste, pero si quieres ser un artista, debes entenderlo y, de alguna manera, ser parte de él. Lo que critico son buenas ideas mal presentadas como malas ideas hechas muy bien, pero de nuevo, ¿cómo definir eso con precisión? Es una opinión personal, por lo que debe definir usted mismo qué es bueno y qué es malo, y su posición es tan válida como cualquier otra.

Esto me recuerda una anécdota. Hay un artista colombiano que realmente me gusta llamado Obregón:

“La violencia” “La violencia”

En una de sus obras, un crítico de arte dijo que era bueno, pero que no le gustaban algunas partes del trabajo, por lo que la pintura en general era mediocre. Para Obregón, fue una de sus mejores obras. ¿Quién tenía razón?

Answer 13

El arte es una mercancía comerciable de (en su mayoría) objetos únicos. Y cualquier investigación de “lo bueno” proviene del juicio personal. El “buen arte” de su pregunta es una mercancía realmente escasa (un objeto único en su tipo), y su valor monetario es proporcional a lo mucho que otros lo quieren. (La moneda funciona de la misma manera: es solo un papel especial o un número en una máquina). Tendemos a respetar las opiniones de críticos entrenados, autores, oradores y museos y otras instituciones de arte, pero el juicio o la crítica de “bueno” único los objetos son tuyos. ¿Cuánto te gusta y cuánto estás dispuesto a pagar para que sea tu propiedad? Es un mejor trato buscar el arte que más te importa.

Answer 14

Tengo que decir que sonó genial, pero realmente no estoy seguro de que haya dicho nada.

Decidir qué es el arte es algo subjetivo. A veces es a través de la retrospectiva que podemos determinar qué es el arte. Lo que tuvo un gran impacto en la sociedad y las culturas, lo que generó un movimiento, hizo una declaración que no se había dicho antes (visualmente), lo que reflejó un momento.

No iría tan lejos como para decir que es completamente subjetivo, porque eso da licencia para llamar a cualquier cosa arte. Pero, algo con lo que te puedes conectar. Eso tiene un profundo significado para ti. Algo que sacarías de la Alemania nazi. Eso es arte. Algo por lo que arriesgarías tu vida. Y si crees que solo estoy hablando de una pintura, entonces quizás necesites ampliar tu definición de arte.

Answer 15

¿Qué hace que el arte sea malo? Críticos que expresan su opinión en los periódicos. Mecenas ricos que odian a artistas particulares. Es probable que algunas obras de arte de las que no sabes mucho se perciban como malas. Los artistas que ya tienen mala reputación no pueden crear nada que veas con luz positiva.

pero si quieres la verdad, no hay arte bueno o malo, siempre habrá alguien a quien le guste cualquier obra de arte entre miles de millones de personas. Hay factores que pueden aumentar el número de simpatizantes entre las personas normales, es cómo resuena con su vida y cómo está conectado con el ya conocido buen arte. Para los llamados profesionales del arte, todo se trata del nombre y la cantidad de respeto que tienen por él. Por eso se llama así porque no se trata de físicos cuyo trabajo sea medible, es decir, nadie discuta el impacto de una bomba, pero el arte es un terreno tan turbio que puede cuestionar todo y a todos. Es sobre todo la creencia de lo que es bueno y lo que es malo. De Verdad

Answer 16

Además del propósito del arte y las ideas / emociones que transmite, puede juzgar una pieza en función de su uso de los elementos del arte (por ejemplo, línea, forma / forma, espacio, valor, tono, intensidad, textura) y principios de diseño ( ej. unidad, armonía, equilibrio, énfasis, contraste, repetición, variedad, ritmo, movimiento, proporción). Esta es una forma de evaluar el mérito técnico de la obra de arte. Escribí sobre esto con más detalle aquí: Dada una obra de arte moderno, ¿cómo se llega a un juicio sobre si tiene mérito o no?

Answer 17

Mi respuesta es desde la perspectiva de un pintor representativo. Por supuesto, hay otros tipos de arte, pero comentaré lo que mejor sé y he pasado toda mi vida estudiando.

Una gran pintura va mucho más allá de hacer una imagen bonita, implica un concepto abstracto.

En un contexto de representación, esto significa que el artista ve más allá de las cualidades más obvias de forma y forma, y ​​tiene una idea, seguida de una idea o concepto para la pintura.

Por supuesto, una gran pintura comienza con las cualidades básicas de: dibujo, composición, valores, color, calidad de la pintura (a menudo se pasa por alto) bordes, formas y la capacidad de ver con mayor sensibilidad.

Todas estas ‘herramientas’ deben perfeccionarse a un alto nivel. Sin embargo, la grandeza se logra al soldar estas herramientas con los conceptos de los artistas para la pintura.

El término “Realismo abstracto” acuñado por el artista David A. Leffel, se refiere a esta idea de que en la pintura representativa, se usa una pincelada para crear la ilusión de algo más, como la luz en un florero, o la calidad de la luz y el aire a su alrededor. el tema. Irónicamente, en la mayoría de las pinturas puramente abstractas, una pincelada es concreta, un goteo es un goteo, un trazo es un trazo.

Con realismo abstracto, el artista comienza con una idea, tal vez tan simple como un pedazo de luz contra un área de sombra, y el sujeto se extrae de ese concepto. Luego, el artista selecciona qué herramientas son mejores para el concepto, color, diseño, etc.

Esta idea requiere reducir la información detallada a una forma más simple, de la cual surge el concepto. El tema es la inspiración y el marco para el concepto.

Habilidad técnica y un concepto abstracto, ambos son necesarios para que sea ART.

Answer 18

Califico el arte con una rúbrica que inventé

Lo mido por:

Estética ¿ Le agrada la vista? ¿Te hace decir “¡Guau, eso es increíble!” Sin pensarlo?

Intención Cada artista tiene un significado diferente detrás de la línea. Es por eso que algunos artistas no pueden copiar el estilo de otro artista o por qué algunas personas pueden forjar otro estilo muy fácilmente. Cada obra de arte debe cumplir un propósito en el panorama general.

Esfuerzo Yo, personalmente, no me interesan algunas formas de arte moderno. Algunos son increíbles, mientras que otros parecen robar las billeteras de las personas. El esfuerzo es el factor determinante en este sentido. ¿Estaba allí el corazón del artista o era solo por dinero en efectivo?

Answer 19

Bueno, al final siempre es subjetivo, ¡incluso con los críticos!

Sin embargo, dicho esto, algunos puntos para ayudar a colocar un marco de juicio independientemente del medio –
1.) La colocación de la obra de arte dentro del contexto de la historia del arte.
1.1) ¿Fue un avance del artista o grupo de artistas, es decir, un nuevo estilo / argumento?
1.2) Qué influencia ha tenido en otros artistas, o en la historia en general.

2.1) Técnica basada en la artesanía: el acabado es bueno, las proporciones, etc.
2.2) Técnica basada en la novedad y la filosofía, es decir, el subtexto re conceptual u otro significado oculto.

3.) Comunicación: es decir, el trabajo ha comunicado su intención, ya sea filosófica, emocional o de artesanía. ¿Se utilizó la técnica como parte del argumento y, de ser así, tuvo éxito en encadenarlo?

4.) Impacto emocional.

3 y 4 son relatividad subjetiva.

¡Espero que ayude!

Answer 20

El arte puede evaluarse objetiva y subjetivamente. Este es el campo de la crítica de arte y el análisis formal. Para juzgar el arte objetivamente, deberá tener conocimiento sobre la historia del arte, el estilo, las técnicas, el medio y hacer juicios sobre su estética, cultura y su importancia en la sociedad. Los críticos generalmente tienen formas escritas que siguen todos los aspectos de una pintura que describen información para llegar a una conclusión. En otras palabras, al evaluar el arte objetivamente, uno tiene que usar convenciones o estándares de la cultura en la que se encuentra.

Evaluar el arte subjetivamente significa que puedes juzgarlo por cómo te hace sentir el arte. No es necesario que tenga conocimiento previo de sus antecedentes, técnicas, medio u otra información.

Las críticas usan ambos para evaluar el arte.